PINTURA .
" La pintura es poesía muda ... una poesía visible" LEONARDO DA VINCI

LA PINTURA DE GOYA .

Por IGNACIOAL - 5 de Diciembre, 2009, 9:23, Categoría: PINTURA .



LA PINTURA DE GOYA
Goya (Francisco de Goya y Lucientes)
          

http://www.pasapues.es/aragonesasi/goya03.jpg http://www.biografiasyvidas.com/monografia/goya/fotos/goya_vicente_lopez.jpg
FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES .
( 1746 - 1828 ) .
http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_de_Goya


Goya, pintor de luces y sombras

11:21 Goya, pintor de luces y sombras


GOYA . PINTOR DE LUCES Y SOMBRAS

Quizá la figura de Goya sea tan atrayente por lo que supone de ruptura, tanto con la pintura como con la sociedad que le rodea, convirtiéndose en el eterno insatisfecho, casi en un maldito al final de su vida.
Francisco de Goya y Lucientes nace en un pequeño pueblo de la provincia de Zaragoza llamado Fuendetodos, el 30 de marzo de 1746. Sus padres formaban parte de la clase media baja de la época. La familia tenía casa y tierras en Fuendetodos, pero pronto se trasladaron a Zaragoza. En la capital aragonesa recibió Goya sus primeras enseñanzas; con doce años aparece documentado en el taller de José Luzán, quien le introdujo en el estilo decadente de finales del Barroco, estilo en el que realizará sus primeros trabajos.
Zaragoza era pequeña y Goya deseaba aprender en la Corte; este deseo motiva el traslado en 1763 a Madrid. En la capital de España se instalará en el taller de Francisco Bayeu, cuyas relaciones con el dictador artístico del momento y promotor del Neoclasicismo, Antón Rafael Mengs, eran excelentes. Bayeu mostrará a Goya las luces, los brillos y el abocetado de la pintura.
Deseoso de continuar su aprendizaje artístico, decidió ir a Italia por su cuenta. En 1771 está en Parma, presentándose a un concurso en el que obtendrá el segundo premio con el cuadro Aníbal contemplando los Alpes. La estancia italiana va a ser corta pero muy productiva.
A mediados de 1771 está trabajando en Zaragoza, donde recibirá sus primeros encargos dentro de una temática religiosa y un estilo totalmente académico. El 25 de julio de 1773 Goya contrae matrimonio en Madrid con María Josefa Bayeu, hermana de Francisco y Ramón Bayeu, por lo que los lazos se estrechan con su "maestro".
Los primeros encargos que recibe en la Corte son gracias a esta relación. Su destino sería la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, para la que Goya deberá realizar cartones, es decir, bocetos que después se transformarán en tapices. La relación con la Real Fábrica durará 18 años y en ellos realizará sus cartones más preciados, en los que nos presenta un sensacional retrato de la sociedad española de la Ilustración, con sus majos, majas, manolos y nobles, interesándose el maestro por los efectos de la luz y el color, aunque todavía los rostros de sus personajes no presentan una fisonomía particular.
Por supuesto, durante este tiempo va a efectuar otros encargos importantes; en 1780 ingresa en la Academia de San Fernando, para la que hará un Cristo crucificado, actualmente en el Museo del Prado. Y ese mismo año decora una cúpula de la Basílica del Pilar de Zaragoza, aunque el estilo colorista y brioso del maestro no gustará al Cabildo catedralicio y provocará el enfrentamiento con su cuñado Francisco Bayeu.
En Madrid se iniciará la faceta retratística de Goya. Durante el verano de 1783 retrata a toda la familia del hermano menor de Carlos III, el infante D. Luis, en Arenas de San Pedro (Avila), sirviéndole para abrirse camino en la Corte. Aprovecha también su contacto con grandes casas nobiliarias, como los Duques de Osuna o los de Medinaceli, a los que empezará a retratar o a realizar escenas para decorar sus palacetes.
Carlos IV sucede a su padre en diciembre de 1788; la relación entre Goya y el nuevo soberano será muy estrecha, siendo nombrado Pintor de Cámara en abril de 1789. Este nombramiento supone el triunfo del artista y la mayor parte de la Corte madrileña pasa por su estudio para hacerse retratos, que cobra a precios elevados.
Durante 1792 el pintor cae enfermo; desconocemos cuál es su enfermedad pero sí que como secuela dejará a Goya sordo para el resto de sus días. Ocurrió en Sevilla y Cádiz y en Andalucía se recuperará durante seis meses; esta dolencia hará mucho más ácido su carácter y su genio se verá reforzado. El estilo suave y adulador que hasta ahora caracterizaba la pintura de Goya dará paso a una nueva manera de trabajar.
Al fallecer su cuñado Francisco Bayeu en 1795 ocupa Goya la vacante de Director de Pintura en la Academia de San Fernando, lo que supone un importante reconocimiento. Este mismo año se inicia la relación con los Duques de Alba, especialmente con Doña Cayetana, cuya belleza y personalidad cautivarán al artista. Cuando ella enviudó, se retiró a Sanlúcar de Barrameda y contó con la compañía de Goya, realizando varios cuadernos de dibujos en los que se ve a la Duquesa en escenas comprometidas. De esta relación surge la hipótesis de que Doña Cayetana fuera la protagonista del cuadro más famoso de Goya: la Maja Desnuda.
En estas fechas de la década de 1790 Goya también intervendrá en la elaboración de los Caprichos, protagonizando doña Cayetana algunos de ellos. En estos grabados Goya critica la sociedad de su tiempo de una manera ácida y despiadada, manifestando su ideología ilustrada.
En 1798 el artista realiza la llamada Capilla Sixtina de Madrid: los frescos de San Antonio de la Florida, en los que representa al pueblo madrileño, ubicado tras una barandilla, asistiendo a un milagro, utilizando un estilo en el que anticipa el impresionismo por la forma de trabajar y el expresionismo por los gestos de sus personajes.
Goya está en la cresta de la ola y su fama como retratista se afianza, convirtiéndose en el verdadero número uno. Toda la nobleza y buena parte de la burguesía adinerada desea posar para el maestro, consiguiendo amasar una pequeña fortuna con la que se permite tener algunos lujos.
El contacto con los reyes va en aumento hasta llegar a pintar La Familia de Carlos IV, en la que el genio de Goya ha sabido captar a la familia real tal y como era, sin adulaciones ni embellecimientos. La Condesa de Chinchón será otro de los fantásticos retratos del año 1800, mostrando a una delicada joven por la que Goya sentía una atracción especial.
Los primeros años del siglo XIX transcurren para Goya de manera tranquila, trabajando en los retratos de las más nobles familias españolas, aunque observa con expectación cómo se desarrollan los hechos políticos. El estallido de la Guerra de la Independencia en mayo de 1808 supone un grave conflicto interior para el pintor, ya que su ideología liberal le acerca a los afrancesados y a José I, mientras que su patriotismo le atrae hacia los que están luchando contra los franceses.
Este debate interno se reflejará en su pintura, que se hace más triste, más negra. Su estilo se vuelve más suelto y empastado, como muestran El Coloso o los bodegones pintados en este tiempo. Una de las obras clave de este momento es la serie de grabados titulada Los Desastres de la Guerra, serie que puede considerarse atemporal, ya que en ella se muestran las atrocidades que implica un conflicto bélico y el sufrimiento del pueblo que lo padece, lanzando Goya un grito contra toda forma de guerra o tortura.
Al finalizar la contienda pinta sus famosos cuadros sobre el Dos y el Tres de Mayo de 1808, en los que narra de manera directa el origen del reciente enfrentamiento con la Francia napoleónica, convirtiendo al espectador en un protagonista más de tan atroces episodios.
La relación entre Fernando VII y el artista no es muy fluida; no se caen bien mutuamente. La Corte madrileña gusta de retratos detallistas y minuciosos que Goya no proporciona, al utilizar una pincelada suelta y empastada. Esto provocará su sustitución como pintor de moda por el valenciano Vicente López.
Goya inicia un periodo de aislamiento y amargura, con sucesivas enfermedades que le obligarán a recluirse en la Quinta del Sordo. En esta finca de las afueras de Madrid realizará su obra suprema: las famosas Pinturas Negras, obras en las que Goya se permite recoger sus miedos, sus fantasmas, su locura. En la Quinta le acompaña su ama de llaves, Dª. Leocadia Zorrilla Weis, con quien tendrá una hija, Rosario. Esta temática casi surrealista tendrá su continuidad en una de sus series de grabados: los Disparates, conjunto de estampas pobladas por variopintos personajes en curiosas actitudes.
Goya está harto del absolutismo que impone Fernando VII en España, así que en 1824 se traslada a Francia, en teoría a tomar las aguas al balneario de Plombières, pero en la práctica a Burdeos, donde se concentraban todos sus amigos liberales exiliados. Aunque viajó a Madrid en varias ocasiones, sus últimos años los pasó en Burdeos, donde pintará sus obras finales, en las que anticipa el Impresionismo. También por estas fechas realizó su última serie de grabados, los Toros de Burdeos, cuatro láminas que enlazan con una serie anterior también de asuntos taurinos, la Tauromaquia, poniendo de manifiesto la devoción del pintor por la fiesta nacional.
Goya fallece en Burdeos en la noche del 15 al 16 de abril de 1828, a la edad de 82 años. Sus restos mortales descansan desde 1919 bajo sus frescos de la madrileña ermita de San Antonio de la Florida, a pesar de que le falte la cabeza, ya que parece que el propio artista la cedió a un médico para su estudio.
Con su muerte se pierde un artista de raza, que trasmitió de manera insuperable la idiosincrasia de la sociedad española de un tiempo tan atractivo como desconocido: la Ilustración. Por desgracia, su estilo apenas fue continuado, pero sí que será admirado por los jóvenes artistas franceses que con el Impresionismo romperán las reglas del juego de la pintura tradicional.

Los fusilamientos del tres de mayo por Goya

2:23 Los fusilamientos del tres de mayo por Goya


LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO .

En 1814, una vez finalizada la Guerra de la Independencia, Goya pinta este lienzo por encargo de la Regencia. El pintor nos presenta la culminación del episodio ocurrido el día anterior, cuando los madrileños se sublevan contra las tropas francesas que ocupaban la capital; ahora vemos cuales son las consecuencias de aquella feroz resistencia.
El modo de componer la escena determina las características de los dos grupos protagonistas: por un lado los ejecutados, ofreciendo su cara al espectador y al grupo de los verdugos, rostros vulgares, atemorizados y desesperados, en toda una galería de retratos del miedo que Goya nos ofrece. Cada uno se recoge en una postura diferente, según sea su actitud ante la muerte: está el que se tapa el rostro porque no puede soportarlo o el que abre sus brazos en cruz ofreciendo su pecho a las balas. Este personaje, en concreto, es un elemento terriblemente dramático, puesto que mira directamente a los soldados y su camisa blanca atrae el foco de luz de la lámpara que se sitúa a su lado, como una llamada de atención a la muerte que se acerca. A sus pies, los cuerpos de los ajusticiados anteriormente caen en desorden. Detrás, los otros sentenciados aguardan su turno para ser fusilados.
El otro grupo, paralelo al anterior, lo conforman los soldados franceses que van a ejecutar a los patriotas. Los soldados están de espaldas al espectador, que no puede ver sus rostros, puesto que no tienen importancia: son verdugos anónimos, ejecutando una orden, como una auténtica máquina de matar.
Todos los personajes se encuentran en un exterior nocturno, indefinido, pero que históricamente se sabe fue la montaña de Príncipe Pío, donde según las crónicas se pasó por las armas a los sublevados de la jornada anterior.
La pincelada empleada por el maestro es absolutamente suelta, independiente del dibujo, lo que facilita la creación de una atmósfera tétrica a través de las luces, los colores y los humos. Los rostros gozan de tremenda expresividad, anticipándose Goya al Expresionismo que caracteriza una etapa pictórica del siglo XX.


Una exposición revisa la influencia de Goya en la pintura moderna

1:00 Una exposición revisa la influencia de Goya en la pintura moderna

EXPOSICIÓN SOBRE LA INFLUENCIA DE LA PINTURA DE GOYA EN EL MUNDO MODERNO .

LA MAJA VESTIDA - LA MAJA DESNUDA




FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES
(1746-1828)
Lienzo (95x188 cm.)
Escuela Española
Siglo XIX
Sala 89 - Museo del Prado - Madrid


NOTA: Actualmente en la exposición "La sala reservada y el desnudo en el Museo del Prado".

El nombre de "majas" con que se conoce a estas dos pinturas es una denominación reciente, aun cuando ciertamente el término era del siglo XVIII; con él se denominaba a las mujeres de esa clase social baja madrileña que se caracterizaba por una cierta libertad de costumbres y un típico desparpajo popular en el trato. Pero estas pinturas figuraban con el nombre de "Gitanas" en el inventario de los bienes del ministro de Carlos IV, Manuel Godoy, que fue su primer propietario. Se supone que formaban un juego pícaro frecuente en la época, en el que la Vestida cubría a la Desnuda. Sorprende cómo el atuendo que porta la Maja Vestida se ciñe de tal modo






a sus formas que se ha llegado a decir que parece más desnuda que su compañera. Ciertamente, la técnica empleada por Goya también acentúa este aspecto: las pinceladas con que pintó la Vestida, sueltas, pastosas y muy libres, chocan con la pulida
perfección académica de la Desnuda. En los dos casos poco tiene que ver la cabeza (con ese rostro burlón y poco hermoso) con la belleza de los cuerpos representados.


Las pinturas fueron de Godoy. Las compró en la subasta que se hizo después de la muerte de la Duquesa de Alba. Posteriormente fueron incautadas y pasaron a ser de propiedad real. La Santa Inquisición las consideró lascivas. Para eludir la persecución, los desnudos solían esconderse en las estancias de sus propietarios, que los enseñaban a sus invitados en fiestas y celebraciones.

Los cuadros fueron pintados hacia 1797-1800. Han pertenecido a la Duquesa de Alba, a Manuel Godoy, al Rey Carlos IV y, por último, al Patrimonio Español.

La identidad de la mujer pintada es un misterio. Se ha especulado con la posibilidad de que fuera la entonces Duquesa de Alba debido a los amores de Goya con ella. Otros identifican a la retratada con Pepita Tudó amante de Godoy. En realidad no sabemos quién fue la joven que Goya pintó. Parece que Goya, de alguna forma, ocultó a la mujer bajo una máscara. El rostro es poco agraciado, de mirada gélida y cejas pobladas; sus labios esbozan una leve sonrisa burlona de cierta picardía. La cabeza está mal colocada en el cuerpo, como impuesta o añadida.

Goya ha sabido captar con gran precisión y sagacidad la personalidad y rasgos psicológicos de sus modelos femeninos. El Prado ha reunido a reinas, aristócratas, majas y brujas del universo goyesco. Sea como fuere, a la maja desnuda se la considera una obra maestra del genial pintor aragonés, y hoy sigue siendo uno de los principales atractivos del Museo del Prado. Esta obra es uno de los escasos desnudos que se conservan en nuestra pintura. Seguramente, desde el punto de vista académico y de la técnica, la maja vestida sea superior. Pero el encanto del recogido y misterioso erotismo de la maja desnuda es insuperable.

Goya viste y desnuda el cuerpo de la mujer y también sus sentimientos y su alma.

José Ignacio Martínez Martín

FOTOMUSICA.NET




http://img8.imageshack.us/img8/6462/desnuda.jpg

LA MAJA DSNUDA . Francisco de Goya . Museo del Prado (Madrid ) . 1797-1800

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/a6/Goya_Maja_ubrana2.jpg

LA MAJA VESTIDA . Francisco de Goya . Museo del Prado (Madrid ) . 1797-1800

1.-Goya, pintor aragonés, español y universal. Trabajo de D. Jesús Sánchez-Diezma Valenzuela (Abderramán).

FOTOMÚSICA.NET  EXCELENTE

2-Página web sobre Goya (Universidad de Zaragoza)


3-http://es.wikipedia.org/wiki/Francisco_de_Goya

FRANCISCO DE GOYA

4-MUSEO DEL PRADO . MADRID . ESPAÑA.


5-EL PRADO BASICO . Rogelio Buendía.


6-GUIA OFICIAL DEL MUSEO DEL PRADO .


7-DESCUBRIR EL ARTE . LAS MUJERES DE GOYA. Nº 33 .


8-http://es.wikipedia.org/wiki/La_maja_desnuda

LA MAJA DESNUDA DE GOYA .


9-http://es.wikipedia.org/wiki/La_maja_vestida

LA MAJA VESTIDA DE GOYA .


10-http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/videos/224.htm

GOYA . Pintor de Luces y sombras . ARTEHISTORIA.COM


11-http://www.artehistoria.jcyl.es/artesp/videos/285.htm

LOS FUSILAMIENTOS DEL 3 DE MAYO. ARTEHISTORIA.COM

12-http://fotomusica.net/ignacio/lafragua/index.htm

La Maja Desnuda/La Maja Vestida . José Ignacio Martínez Martín .

13-http://pintura.aut.org/

1100 obras del autor: Goya - (Francisco de Goya y Lucientes)

LA CIUDAD DE LA PINTURA - La Mayor Pinacoteca Vitual .

EXCELENTE

PROBABLEMENTE EL MEJOR ESPACIO DE LA RED DEDICADO A LA PINTURA



LA PINTURA DE FRIDA KAHLO .

Por IGNACIOAL - 9 de Octubre, 2009, 18:45, Categoría: PINTURA .


LA PINTURA DE FRIDA KAHLO

Kahlo - (Frida Kahlo)
Ver sus obras

Frida Kahlo, Vida y Tiempos (Parte 1)
Documental sobre la vida, obra y contexto político y social de la artista plastica Frida Kahlo .
Parte 1
Documental sobre la vida, obra y contexto político y social de la artista plastica Frida Kahlo 
Parte 2


La real Frida Kahlo
Esa Noche - (Cafe Tacuba) You shouldn't have left me that night. Because that night i found a new love. you shouldn't have left me that night .. No debería haberme dejado esa noche . Esa noche encontró un nuevo amor . No debería haberme dejado
esa noche .




http://www.arqhys.com/articulos/imagenes/Pintora%20Frida%20Kahlo.jpg
FRIDA KAHLO .


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Méjico. (1907-1954)

Pintora mexicana que realizó principalmente autorretratos, en los que utilizaba una fantasía y un estilo inspirados en el arte popular de su país. Frida nació en Coyoacán, en el sur de Ciudad de México. A los 16 años resultó gravemente herida en un accidente de camión y comenzó a pintar durante su recuperación. En 1929 se casó con el pintor Diego Rivera.

http://www.avizora.com/publicaciones/biografias/textos/textos_k/images/kahlo_frida_rivera_diego_03.jpg

DIEGO RIVERA Y FRIDA KAHLO

Influida por la obra de su marido, adoptó el empleo de zonas de color amplias y sencillas plasmadas en un estilo deliberadamente ingenuo, quería que su obra fuera una afirmación de su identidad mexicana y por ello recurría con frecuencia a técnicas y temas extraídos del folklore y del arte popular de su país. Más adelante, la inclusión de elementos fantásticos, claramente introspectivos, la libre utilización del espacio pictórico y la yuxtaposición de objetos incongruentes realzaron el impacto de su obra, que llegó a ser relacionada con el movimiento surrealista.

Fue muy rebelde y ya de joven se vestía con ropas de hombre en algunas ocasiones. Su objetivo era molestar a sus familiares en las reuniones que tenían. Posteriormente, cuando se casó, se cortó el pelo para hacer rabiar a su marido.

 En 1925, Frida sufre un grave accidente que casi le cuesta la vida y que además le dejó múltiples secuelas que influyeron en el resto de su vida. Se partió la columna vertebral, varias costillas, la pelvis y se fracturó la pierna en once lugares distintos. Al tener que estar tanto tiempo en la cama, fue cuando el pasatiempo de pintar se convirtió en la pasión de su vida.

 Fue operada en numerosas ocasiones. Se sometió alrededor de unas 30 operaciones. En muchos de sus cuadros se refleja todo el sufrimiento al que fue sometida durante muchos años, operación tras operación. En sus cuadros, muchas veces se pintaba con collares de espinas, con cortes por todo el cuerpo y con clavos clavados. Ése era el modo que tenía para expresar lo que ella sentía en su interior.

 En 1929 se casó con Diego de Rivera. El matrimonio fue muy apasionado y además alocado. Durante el matrimonio surgieron algunos amantes por ambas partes. Diego y Frida se divorciaron pero no dejaron que transcurriera un año para volverse a casar.

 En 1943, Frida fue nombrada profesora de pintura en La Esmeralda y en la Escuela de Bellas Artes del Ministerio de Educación.

 En la exposición, última y única exposición que Frida pudo realizar en su país, ocurrió un hecho que escandalizó a la gente. Frida estando enferma, ordenó que la llevaran a la sala de la exposición, donde se puso a contar chistes y a beber. La exposición fue todo un éxito.

 Kahlo murió el 13 de julio de 1954. En su honor muchos seguidores formaron el "Kaholismo". Es una especie de religión que considera a Frida como una diosa.

CRONOLOGÍA :

  • 1907 Magdalena Carmen Frieda Kahlo Calderón, nace el 6 de julio en Coyoacán, un pueblecito cerca de Ciudad de México. Es la tercera hija del matrimonio formado por el alemán Whilhelm Kahlo y la mexicana Matilde Calderón.
  • 1913 Sufre un ataque de poliomelitis que le afecta a la pierna derecha. Va al Colegio Alemán para cursar primaria.
  • 1922 Asiste a la Escuela Preparatoria Nacional, siendo una de las treinta y cinco mujeres admitidas entre dos mil estudiantes. Conoce a Diego Rivera, el cual está pintando el mural La Creación, en el salón de actos de la Escuela.
http://encontrarte.aporrea.org/imagenes/galerias/muralismo/1creaci.jpg
LA CREACIÓN DE DIEGO RIVERA
  • 1925 Al volver del colegio el 17 de septiembre, Frida sufre un gravemente accidente cuando un tranvía choca contra el autobús en que viaja junto a Alejandro Gómez Arias, su amor de juventud. Las heridas causadas por el accidente le hicieron sufrir más de treinta y una operaciones durante su vida.
  • 1926 Comienza a pintar mientras convalece en su cama, realiza su primer autorretrato: Autorretrato con Vestido de Terciopelo. 1928 Se afilia al Partido Comunista de México (PCM), de nuevo vuelve a cruzarse con Diego Rivera y ambos se enamoran.
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AUTORRETRATO CON VESTIDO
DE TERCIOPELO
  • 1929 Contraen matrimonio el 21 de Agosto. En este año Rivera es expulsado del Partido y Frida abandona el Partido.
  • 1930 A principios del año sufre el que sería su primer aborto, pues se teme por su vida. Sale de México por primera vez, viajando a San Francisco, Nueva York y Detroit con Rivera, al que han contratado para realizar diversos encargos.
  • 1931 En San Francisco consulta al Dr. Leo Eloesser, famoso cirujano que se convierte en su consejero médico y amigo de por vida. Vuelven a México en Julio, aunque permanecen poco tiempo alli. Por primera vez, Frida incluye elementos surrealistas en su pintura. Retrato de Luther Burbank o Frida y Diego.
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RETRAO DE LUTHER
BURBANK

http://calitreview.com/images/Kahlo_Frieda_and_Diego_1931.jpg
FRIDA Y DIEGO
  • 1932 Vive en Detroit mientras Rivera trabaja en los murales del Instituto de las Artes de Detroit. El 4 de julio es hospitalizada a causa de una enorme hemorragia por aborto espontáneo. Vuelve a México para ver a su madre, que está muy enferma. El 15 de septiembre muere su madre.
  • 1933 Se trasladan a Nueva York, donde Rivera pinta un mural para el Rockefeller Center, poco más tarde este mural será destruido por considerarse una apología del comunismo. Vuelven a México y compran una casa en el barrio de San Ángel, una zona marginal.
  • 1934 La operan tres veces, entre ellas un nuevo aborto y la amputación de varios dedos de su pie derecho. Rivera comienza una relación con Cristina, la hermana pequeña de Frida.
  • 1935 Se separa de Rivera, alquilándose un piso. Conoce al escultor americano Isamu Noguchi, con quien mantiene una relación. Viaja a Nueva York con dos amigas. Se reconcilia con Rivera y vuelve a México.
  • 1936 Trabaja para ayudar a los republicanos españoles que llegan a México después de la guerra civil. En este año sufre de intensos dolores de columna, la vuelven a operar del pie y le tratan de una úlcera. También sufre anorexia y ansiedad general.
  • 1937 Conoce a León Trotsky y a su mujer Natalia Sedova cuando llegan a México exiliados el 9 de enero. Les ofrece su casa de Coyoacán. Mantiene un romance con Trotsky. En su honor pinta Autorretrato dedicado a Leon Trotsky. Otro cuadro conocido de esta época es Mi nana y yo.
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AUTORRETRATO DEDICADO A LEÓN
TROTSKY

http://imagenes.mailxmail.com/cursos/imagenes/5495_3_1.jpg
MI NANA Y YO
  • 1938 Conoce a André Breton, surrealista francés. Su primera exposición individual se lleva a cabo en la Galería Julian Levy, Nueva York. Breton escribe la introducción del catálogo. Inicia una relación con el fotógrafo Nickolas Muray.
  • 1939 Viaja a París, donde expone en la galería Renou & Colle. Diego le pide el divorcio y ella se lo concede. Frida pinta Las dos Fridas.
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LAS DOS FRIDAS
  • 1940 Viaja a San Francisco para recibir tratamiento médico del Dr. Eloesser, quien actúa como intermediario con Rivera. Participa en varias exposiciones. Pinta Autorretrato con pelo cortado. Frida sufre tremendos dolores y está muy grave. Rivera le pide que se vuelva a casar con él, ella acepta, casándose el 8 de diciembre.
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AUTORRETRATO CON PELO
CORTADO

  • 1941 El 14 de abril muere su padre, a partir de entonces, Diego y Frida viven en la Casa Azul, Coyoacán.
  • 1942 Comienza a escribir su diario. Es elegida miembro del Seminario de Cultura de México.
  • 1943 Obtiene un puesto docente en la escuela de Arte "La Esmeralda", pero su mala salud la obliga a dar sus clases en su casa de Coyoacán. Pinta Autorretrato pensando en Diego y Raíces, entre otros.
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AUTORRETRATO

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RAICES
  • 1946 con su obra Moisés obtiene el Premio Nacional de Pintura que concede el Ministerio de Cultura. 
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MOISÉS
  • La trasladan a Nueva York donde es operada de la columna, durante ocho meses debe llevar un corsé de acero. Uno de sus cuadros más conocidos de este año es El cervatillo.
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EL CERVATILLO
  • 1948 Vuelve a formar parte del Partido Comunista.
  • 1950 Es intervenida seis veces de la columna vertebral, pasando nueve meses en el hospital, debido a esto comienza a utilizar silla de ruedas.
  • 1953 Lola Álvarez Bravo organiza una exposición individual de Kahlo en la Galería de Arte Contemporáneo de la Ciudad de México en Abril, Frida, a la que los médicos le prohiben ir, asiste con su cama. En Agosto le amputan la pierna derecha por debajo de la rodilla para frenar la gangrena.
  • 1954 Participa en una manifestación contra la intervención norteamericana en Guatemala, está muy enferma, pero ella no puede faltar. Muere el 13 de Julio en la Casa Azul.

http://estaticos01.cache.el-mundo.net/fotografia/2004/07/fridakahlo/imagenes/fridak9.jpg

FRIDA KAHLO Y ESTADOS UNIDOS

Frida Kahlo y Estados Unidos

VIVA LA VIDA . HOMENAJE A LA VIDA DE FRIDA KAHLO

Viva la vida Frida Kahlo
Homenaje a la Vida de Frida Kahlo



FRIDA MAESTRA : EL ARTE AL ENCUENTRO DE LA VIDA
Documental sobre Frida y sus discípulos .

FRIDA MAESTRA: el arte al encuentro de la vida I      FRIDA MAESTRA: el arte al encuentro de la vida II     FRIDA MAESTRA: el arte al encuentro de la vida III      FRIDA MAESTRA: el arte al encuentro de la vida IV


FRIDA MAESTRA: el arte al encuentro de la vida V      FRIDA MAESTRA: el arte al encuentro de la vida VI      FRIDA MAESTRA: el arte al encuentro de la vida VII
TIEMPOS DEL DOCUMENTAL
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FRIDA Y EL SUFRIMIENTO . LA ENFERMEDAD Y LA MUERTE


Frida Kahlo - La columna rota (1944)
La columna rota (1944)


http://www.bta.it/img/a0/05/bta00546.jpg

Sus sufrimientos , enfermedades ,  abortos , múltiples intervenciones quirúrgicas .... Los refleja Frida en sus creaciones elaborando obras como estas .

1-http://pintura.aut.org/ LA CIUDAD DE LA PINTURA . La Mayor Pincoteca Virtual.


2-http://212.170.236.112/ANavegar9/2008an45_600/2008/03/27/frida-kahlo/ UN SEXO LLAMADO DÉBIL . FRIDA KAHLO


3-http://es.wikipedia.org/wiki/Frida_Kahlo FRIDA KAHLO


4-http://www.homines.com/arte_xx/crono_frida/index.htm CRONOLOGÍA ILUSTRADA DE FRIDA KAHLO . Susana Hermoso-Espinosa García


5-http://www.friki.net/informes/157-frida-khalo-la-cejuda.html FRIDA KAHLO ( LA CEJUDA ) .


http://vivirmexico.com/wp-content/uploads/2009/05/frida-kahlo.jpg

"Tonto, tonto, tonto eres, no te pienses mejor que las mujeres ... Malo , malo , malo eres , no te pienses mejor que las mujeres " . MARIE CURIE .


LA PINTURA DE EL BOSCO .

Por IGNACIOAL - 28 de Agosto, 2009, 20:35, Categoría: PINTURA .


LA PINTURA DE
EL BOSCO


El Bosco (Jeroen Anthonizoon van Aeken)


AUTORRETRATO DEL BOSCO
( 1450 - 1516 ) .
http://es.wikipedia.org/wiki/Hieronymus_Bosch

Nació en Hertogenbosch, en el seno de una familia de artistas procedentes de Aquisgrán, su infancia y juventud transcurrienron en una difícil y aborrascada época de transición entre una Edad Media que se dirigía velozmente a su ocaso y un Renacimiento que ya despuntaba poderosamente. El Bosco debió de obtener el grado de maestro hacia 1480, y poco mas tarde ingresó en la cofradía de Nuestra Señora.

Supo traducir en figura y color contenidos semejantes a los que pululaban en la literatura de su tiempo, sus obras son de temática religiosa interpretadas con gran fantasía e iconografía demoniaca, relacionando motivos astrológicos, de folklore, brujería y alquimia, así como el tema del anticristo y episodios de las vidas de santos ejemplares mostrando la procupación por la inclinación del hombre hacia el pecado, desafiando a Dios, la condena eterna a las almas perdidas en el infierno, como consecuencia de la locura humana.

Falleció en agosto de 1516, poco podía imaginar que llegaría a convertirse, con el tiempo y más allá de la tumba, en el pintor favorito del primer monarca absoluto de España, el poderoso Felipe II.


1:29
La Mesa de los Pecados Capitales, de El Bosco

7:51

1:44
Homenaje a El Bosco


VIDA Y OBRA :

http://misiglo.files.wordpress.com/2009/01/bosco-el-jardin-de-las-delicias-web-hallery-of-art.jpg
EL JARDÍN DE LAS DELICIAS . El Bosco 1480 - 1490 . Pintura al óleo sobre tabla 206 x 386 . Museo del Prado . Madrid

El jardín de las delicias es la obra más conocida del pintor holandés Hieronymus Bosch. Se trata de un tríptico pintado al óleo de 206 x 386 cm, compuesto por una tabla central y dos laterales (pintadas en sus dos lados) que se pueden cerrar sobre aquella.

Obra de gran simbolismo (que todavía no ha sido completamente descifrado), como El carro de heno y el Juicio Final, el Jardín de las delicias se sustrae a cualquier clasificación iconográfica tradicional. Se considera, no obstante, que la obra obedece a una intención moralizante que habría sido comprensible para la gente de la época; en este sentido, el propio rey Felipe II de España, alguien poco sospechoso de herejía, llegó a adquirir el cuadro como consecuencia de su interés por el mismo.

Considerada como una de las obras más fascinantes, misteriosas y atrayentes de la historia del arte, el cuadro forma parte de los fondos de exposición permanente del Museo del Prado de Madrid.

FUENTE : WIKIPEDIA
http://es.wikipedia.org/wiki/El_jard%C3%ADn_de_las_delicias



El tríptico cerrado: La Creación del mundo, óleo sobre tabla, 220 x 195 cm.






El Bosco es el apelativo por el que conocemos en España al genial pintor holandés Jeroen van Aeken. Nació en la localidad holandesa de Hertogenbosch, cerca de Amberes, en el ducado de Bravante. Sin embargo, no hay noticias de que saliera de su ciudad natal, ni siquiera a la próspera ciudad comercial de Amberes. Su familia estaba dedicada tradicionalmente al oficio de pintor: su abuelo, su padre, su tío, sus hermanos y su hijo. El taller familiar lo heredó Goosen, su hermano mayor, que de esta forma poseía en exclusiva el derecho a usar el apellido familiar Van Aeken que distinguía las obras de este taller frente a las de otros talleres de pintores. Por ello, Jeroen tuvo que buscar un nombre con el que organizar su propio taller y diferenciarse de su hermano; latinizó su nombre de pila transformándolo en Hieronimus y eligió por apellido el nombre de su ciudad natal S'Hertogenbosch, simplificado Bosch, nombre que en España derivó hacia El Bosco. Este cambio en su nombre tuvo lugar hacia 1480, cuando también se casó con Aleyt van Meervene, joven procedente de una buena familia que proporcionaba una buena dote al matrimonio. Por esas fechas, Hieronimus obtuvo el título de maestro, imprescindible para trabajar de forma independiente. Los encargos debían ser numerosos, ya que queda constancia de que pagaba uno de los tributos más altos de la ciudad y de que vivía en la mejor zona de la ciudad, en la plaza mayor. Su clientela estaba formada por burgueses, clérigos, nobles y la Hermandad de Nuestra Señora, cofradía religiosa dedicada a la Virgen de la que El Bosco era miembro. Uno de sus encargos más importantes lo recibió en 1504: pintó para Felipe el Hermoso un Juicio Final, lo que indica que su fama había llegado a la Corte borgoñona. Su estilo recogía claramente los fantasmas de los años finales de la Edad Media, en los que la salvación tras la muerte era una gran obsesión. Existen pocos datos de su vida, siempre llena de leyendas que intentan explicar el enigmático significado de sus cuadros. Su formación como pintor la pasó en el seno de su familia: fueron sus propios hermanos y su padre quienes le enseñaron el oficio artesanal. De esto se deriva una cierta torpeza compositiva, aunque enseguida estableció su temática favorita: la debilidad humana, tan proclive al engaño y a ceder a las tentaciones. Una de sus fuentes de inspiración favoritas fue la cultura popular. Los refranes, los dichos, las costumbres y leyendas, las supersticiones del pueblo le dieron múltiples temas para tratar en sus cuadros. Da a los objetos de uso cotidiano un sentido diferente y convierte la escena en un momento delirante, lleno de simbolismos. Todos sus cuadros están impregnados de un sentido del humor burlesco, a veces cruel. El Bosco vivió en un mundo cruel, la organización de los estados nacionales brillaba por su ausencia y en los terrenos rurales se imponía la ley del más fuerte. La ignorancia y el analfabetismo alcanzaban a un 90% de la población, que veía su esperanza de vida en poco más de los cuarenta años. Las enfermedades endémicas y las epidemias, frecuentemente de peste, diezmaban a la población, cuando no se trataba de guerras mantenidas durante años. En tal estado de cosas, en toda Europa se produjeron abundantes movimientos heréticos, sectas que trataban de romper con la Iglesia, que ostentaba un poder y un lujo excesivos. Los movimientos heréticos trataban de retornar a las raíces del primer cristianismo, con comunidades en las que se compartieran los bienes. Casi todas las sectas fueron perseguidas, con casos como el de Savonarola en Italia. Sin embargo, en Alemania, muy cerca de Países Bajos, Lutero conseguiría triunfar pocos años después de la muerte del Bosco. Es decir, nuestro artista vivió en una época de crisis espiritual muy profunda, que condujo poco después a la ruptura del mundo cristiano. El Bosco prácticamente pintó sólo obras religiosas. Su piedad era extrema, rigurosa, y presentaba un mundo enfangado, que se revolcaba en el pecado, casi sin esperanza de salvación. El Bosco ve a sus congéneres pudriéndose en el Infierno por todo tipo de vicios. Se tiende a mirar sus obras como productos magníficos de la imaginación y no hay tentación más fácil que identificarlo con el surrealismo. Se comete el error de pensar que El Bosco pintó para nosotros, que se adelantó a nuestra visión de época y que en ello radica su valor como visionario. Pero lo hizo hace más de 400 años y nosotros hoy día somos incapaces de comprender todos los símbolos y lecturas con que impregnó sus cuadros. Tan sólo aquellas imágenes que resultan familiares son rápidamente extraídas de su contexto y examinadas a la luz de la psicología del siglo XX. En la época del Bosco no existía la psicología. El mundo religioso estaba tan presente o más como los fenómenos cotidianos. En un mundo donde no se sabía leer ni existían imágenes apenas, los cuadros del Bosco presentaban una realidad tan cotidiana como los trabajos del campo. La presencia continua del pecado y la amenaza del infierno eran ley de vida, contra la que se revelaban la "devotio moderna" o los seguidores de Lutero: interpretación personal de la Biblia, diálogo íntimo con Dios, salvación a través de la fe y no de los actos externos. Algunos centros urbanos de importancia tratan de cambiar el mundo, de racionalizar la vida del ser humano y de desterrar el miedo y la superstición. La ciencia sepulta mitos y la filosofía se trata de conjugar con la religión. Es el mundo de Durero y de Leonardo, de Erasmo, de Maximiliano I y de Carlos V. Sin embargo, El Bosco jamás entró en contacto con la cultura urbana ni con las renovaciones que se estaban produciendo en los Países Bajos, Italia y España. El Bosco representa el arte de provincias, casi sin influencia de los movimientos contemporáneos. Muere en 1516, tres años antes que Leonardo da Vinci, su más estricto contemporáneo. Comparemos sus obras y tratemos de comprender cuál era el mundo real en el que vivía la mayor parte de la sociedad europea del siglo XVI y cuál el mundo reducido de las cortes llenas de intelectuales donde se pretendía cambiar el concepto del mundo basado en Dios por el de un mundo basado en el hombre.

FUENTE : ARTEHISTORIA . COM
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/1360.htm

LA MESA DE LOS PECADOS CAPITALES:
" DIOS LO VE TODO " .
LA MESA DE LOS PECADOS CAPITALES . Siglo XV. Gótico Flamenco . 1475-1480. Panel. 120 x 150 cm. Óleo sobre tabla. Museo del Prado. Madrid. España.


La Mesa de los Pecados Capitales es una de las obras más interesantes de El Bosco. En ella se muestra como un artista medieval en cuanto al tema.
El centro, con tres anillos concentricos, representa el ojo de Dios, apareciendo en la pupila Cristo resucitado y mostrando los estigmas. Alrededor de la pupila se ha escrito: "Cuidado, cuidado, Dios os ve". Lo que Dios ve son los Siete Pecados Capitales que se muestran alrededor.
La Gula aparece como dos hombres que comen y beben lo que el ama trae a su mesa; la Pereza nos muestra a un caballero durmiendo junto al fuego, mientras una mujer con un rosario en la mano indica el olvido de los deberes espirituales; la Lujuria se representa con varios amantes bajo una tienda, con el Arpa divina abandonada; la Soberbia sería una dama vanidosa que se mira al espejo sin advertir que lo sostiene un demonio; la Ira está representada por dos hombres riñendo ante una taberna; la Avaricia con un juez aceptando un soborno; y la Envidia con un pretendiente rechazado mirando a su rival.
En las esquinas de la Mesa aparecen cuatro esquinas que completan la iconografía: la Muerte, el Juicio Final, la Gloria y el Infierno, donde cada pecado recibe su castigo.
El significado de la obra es muy sencillo: Dios lo ve todo, especialmente los Pecados Capitales, y la visión divina será crucial a la hora de la muerte y el Juicio Final, pudiendo conducir al alma a la Gloria o al Infierno.

Véase también en HISTORIA DEL ARTE
Análisis de la Obra del Bosco :
 " Visiones del Más Allá . Subida al Empíreo ".






Image
El Bosco (1453-1516):  "Visiones del Más Allá": Subida al Empíreo.Óleo sobre tabla , Palacio Ducal, Venecia ( Italia )  .





LA PINTURA DE RENÉ MAGRITTE .

Por IGNACIOAL - 9 de Junio, 2009, 14:44, Categoría: PINTURA .


LA PINTURA DE  René Magritte .
 
Georgette Berger y
René Magritte.
 Magritte - (René François Ghislain Magritte).

http://es.wikipedia.org/wiki/René_Magritte


v�deo
Magritte nació en la pequeña localidad belga de Lessines, en la región del Hainaut, pero su infancia transcurrió en distintos lugares a los que fue trasladándose la familia. Su padre era sastre y su madre, que de soltera había ejercido como modista y sombrerera, se suicidó en 1912 arrojándose al Sambre en Chatelet. Los ecos del suicidio materno pueden percibirse todavía en algunos cuadros de finales de los años veinte -La historia central (1927), Los amantes (1928, abajo)-, en los que aparecen figuras con la cabeza cubierta por una tela evocando la imagen del cadaver de la madre, que fue rescatado del río con la camisa cubriéndole el rostro.


LOS AMANTES . MAGRITTE . El suicidio de su
madre , repercutió  en su vida y en su obra .


v�deo
 
ANIMACIÓN .

 

101 Aniversario del nacimiento del pintor René Magritte .

110 aniversario del nacimiento de Ren� Magritte - Courtesy of Succession Ren� Magritte  / ARS, NY

    Logo Google del acontecimiento .

El Pintor del " Realismo Mágico " .

RENÉ  MAGRITTE . ( 1898 - 1967 ) .

" Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real."

http://es.wikipedia.org/wiki/René_Magritte

     

      

     

" En este mundo hay más religiones que niños felices " ...



LA PINTURA DE ZURBARÁN .

Por IGNACIOAL - 9 de Junio, 2009, 14:40, Categoría: PINTURA .



LA PINTURA DE ZURBARÁN .
 
Autorretrato de Zurbarán .
 
 
 
 
 
Colección de 13 lienzos del gran maestro español Zurbarán , que se encuentran en el Convento de la Buena Muerte de Lima. ( Perú ) .

LA PINTURA DE KLIMT .

Por IGNACIOAL - 9 de Junio, 2009, 14:32, Categoría: PINTURA .




Gustav Klimt Paintings

LA PINTURA DE KLIMT .
 
Retrato de Gustav Klimt.


 
 


(Viena 1862 – Viena 1918)




EL BESO .
 
G. Klimt: El beso, 1907-1908.
G. Klimt, El Beso, 1907-1908, Österreichische Galerie, Vienna.

 
     En esta obra asistimos a la experiencia amorosa idealizada. El Eros y el Thanatos se unen. La mujer es la protagonista, del hombre apenas si vemos el rostro. La pareja está ensimismada, fuera del mundanal ruido. El fondo es neutro, en el que destaca la peana floreal. Fuerza las anatomías para que los cuerpos formen un rectángulo de contornos limpios. Usa formas diferentes para cada sexo, a la mujer le corresponden los círculos, los roleos y las curvas, mientras que al hombre lo ortogonal. Klimt llegó a incluir teselas, cristales, esmaltes y pan de oro. Es por eso que se considera a Klimt como precursor de collage del Cubismo, aunque los objetivos del artista son los puramente ornamentales.

Escrito por:
Beatriz Aragonés Escobar.
Licenciada en Historia del Arte



 
 Gustav Klimt

 
 
DÉNAE . KLIMT .
 
LAS TRES EDADES DE LA MUJER . KLIMT .
 
 
 
MUSIC - I . KLIMT .

LA PINTURA DE MUNCH .

Por IGNACIOAL - 9 de Junio, 2009, 13:30, Categoría: PINTURA .


LA PINTURA DE MUNCH .


Edvard Munch
8:29
The works of Edvard Munch set to the music of Rachmaninov


 

 
http://larosainflamable.amarquia.org/IMG/gif/el_grito.gif EL GRITO . EDWARD  MUNCH 1893 . Galeria Nacional de Oslo . ( NORUEGA ) . Óleo , temple y pastel sobre cartón
89 x 73.5 .

"Paseaba por un sendero con dos amigos - el sol se puso - de repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio - sangre y lenguas de fuego acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad - mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansiedad, sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza."  E.MUNCH
 

La fuente de inspiración para El grito podría encontrarse, quizá, en la atormentada vida del artista, un hombre educado por un padre severo y rígido que, siendo niño, vio morir a su madre y a una hermana. En la década de 1890, a Laura, su hermana favorita, le diagnosticaron una dolencia bipolar y fue internada en un psiquiátrico.

El cuadro es abundante en colores rojizos de fondo, colores oscuros y la figura principal es una persona aparentemente sin cabello en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se notan dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir. El cielo parece fluído y arremolinado, de colores rojizos cambiantes, igual de arremolinado que el resto del fondo.

FUENTE : WIKIPEDIA

http://es.wikipedia.org/wiki/El_grito


Edvard Munch
3:11
Edvard Munch (December 12, 1863 -- January 23, 1944) was a Norwegian expressionist painter and printmaker.


 
 
 
 
 
 


a selection among Edvard Munch's best and more meaningful works, accompanied by Anton Webern's Passacaglia op. 1








LA PINTURA DE RAFAEL SANZIO DE URBINO .

Por IGNACIOAL - 9 de Junio, 2009, 12:49, Categoría: PINTURA .



LA PINTURA DE RAFAEL SANZIO DE URBINO


Raffaello Sanzio

RAFAEL SANZIO DE URBINO

( 1483 - 1520 ) .


http://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_SanzioVIDA Y OBRA .

Raffaello Santi     Raffaello Sanzio     La transfiguración de Rafael      Madonna Sistina
8:07              5:09              1:56               2:59



Raffaello Santi o Sanzio, artista italiano. Hijo del pintor Giovanni Santi, se formó en Perugia junto a Perugino, de quien ya en sus primeras obras (Las tres Gracias, Chantilly; El sueño del caballero, Londres) adoptó las tonalidades claras, las composiciones plácidas y los paisajes espaciosos. Pero pronto le superó con Los desposorios de la Virgen, obra maestra de armonía elegante y mesurada, con la que cierra este periodo (1504, Bera, Milán). A continuación, Rafael estudió sucesivamente en Siena, Urbino, Florencia y Roma, en un constante intento de asimilación del arte de los grandes maestros que le precedieron.
http://www.heritagealive.eu/photos/the-historic-city-of-urbino/view-of-urbino-from-albornoz-fortress.jpg
VILLA DE URBINO

La Escuela de Atenas .


http://es.wikipedia.org/wiki/La_escuela_de_Atenas

LA ESCUELA DE ATENAS .

http://www.youtube.com/watch?v=ACWB8mD1IxY&feature=related

LA ESCUELA DE ATENAS . 1508-1511 . RAFAEL SANZIO DE URBINO .

1: Zen�n de Citio o Zen�n de Elea � 2: Epicuro � 3: Federico II Gonzaga � 4: Boecio o Anaximandro o Emp�docles � 5: Averroes � 6: Pit�goras � 7: Alcib�ades o Alejandro Magno � 8: Ant�stenes o Jenofonte � 9: Hipatia o el joven Francesco Maria della Rovere � 10: Esquines o Jenofonte � 11: Parm�nides � 12: S�crates � 13: Her�clito (pintado como Miguel �ngel) � 14: Plat�n sosteniendo el Timeo (pintado como Leonardo da Vinci) � 15: Arist�teles sosteniendo la �tica � 16: Di�genes de Sinope � 17: Plotino? � 18: Euclides o Arqu�medes junto a un grupo de estudiantes (pintado como Bramante)? � 19: Estrab�n o Zoroastro? � 20: Claudio Ptolomeo � R: Rafael como Apeles � 21: El Sodoma como Prot�genes

1: Zenón de Citio o Zenón de Elea – 2: Epicuro – 3: Federico II Gonzaga – 4: Boecio o Anaximandro o Empédocles – 5: Averroes – 6: Pitágoras – 7: Alcibíades o Alejandro Magno – 8: Antístenes o Jenofonte – 9: Hipatia o el joven Francesco Maria della Rovere – 10: Esquines o Jenofonte – 11: Parménides – 12: Sócrates – 13: Heráclito (pintado como Miguel Ángel) – 14: Platón sosteniendo el Timeo (pintado como Leonardo da Vinci) – 15: Aristóteles sosteniendo la Ética – 16: Diógenes de Sinope – 17: Plotino? – 18: Euclides o Arquímedes junto a un grupo de estudiantes (pintado como Bramante)? – 19: Estrabón o Zoroastro? – 20: Claudio Ptolomeo – R: Rafael como Apeles – 21: El Sodoma como Protógenes

Madonna Sixtina .

http://es.wikipedia.org/wiki/Madonna_Sixtina_(Rafael)

http://imagecache2.allposters.com/IMAGES/CLI/8592.jpg

MADONNA SIXTINA .

http://www.youtube.com/watch?v=Ys5pbCX4oeY

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/ea/Raffael_051.jpg

MADONNA SIXTINA  . 1516 .

RAFAEL SANZIO DE URBINO .

DETALLE DE LA MADONNA SIXTINA .http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/f/f2/Raffael_026.jpg

http://www.promethidion.eu/upload/malarze/dziela/162.jpg
LA FORMARINA . RAFAEL .

LA PINTURA DE LEONARDO DA VINCI .

Por IGNACIOAL - 9 de Junio, 2009, 11:19, Categoría: PINTURA .


LA PINTURA DE LEONARDO DA VINCI .
http://www.villami.com/famosos/wp-content/uploads/2007/05/leonardo-da-vinci.jpg
LEONARDO DA VINCI

 

http://www.lagranepoca.com/pics/2007/03/16/sl/2007-03-16-sl--Leonardo_da_Vinci.jpg

LA ANUNCIACIÓN . LEONARDO DA VINCI .


Leonardo da Vinci

 
LA PINTURA DE LEONARDO DA VINCI .
 

LA ÚLTIMA CENA . LEONARDO DA VINCI .

http://samaelgnosis.org/revista/ser34/ultima_cena.jpg

CURIOSIDADES: "Se ha hablado mucho acerca de los significados de posibles figuras. Así, se especula sobre la figura del propio Leonardo en el cuadro. Sería uno de los apóstoles de la derecha. Sin embargo, esto se ha descartado ya que la edad del representado es bastante superior a la edad en ese momento del propio pintor, por lo que es poco probable que se representara así. Otra especulación trata de la figura de una daga en la parte izquierda. Los técnicos que hicieron radiografías al cuadro explican que en los dibujos preliminares la daga la sostenía Pedro, en relación con el capítulo por el que defiende con ella a Jesús. Por último, en cuanto a las especulaciones sobre la figura que hay a la derecha de Cristo con pelo largo comentar que se ha especulado mucho sobre si era una mujer e, incluso, se ha llegado a decir que es María Magdalena. Sin embargo, si observamos la tradición pictórica hasta la fecha y posteriores, siempre se ha representado a San Juan como un joven de pelo largo, delgado y joven, por lo que la imagen corresponde a la perfección con la que aparece de Leonardo. Además, si este apostol no apareciera y fuera María Magdalena, faltaría uno de los más importantes fieles de Jesús en una de las escenas más importantes, por lo que es una segunda razón para afirmar que dicha figura corresponde a la de San Juan y no la de una mujer ".
(  OBSERVATORIO . Una Obra de Arte diaria . AUTORA :
TERESA MORENO /K O R E )


http://arte.observatorio.info/2009/05/la-ultima-cena-leonardo-da-vinci-1495-1497/
OBSERVATORIO . UNA OBRA DIARIA. Teresa Moreno.
" KORE ". 



 
Leonardo Da Vinci - Obras-
4:39
Las obras mas importantes de Da Vinci ordenadas cronologicamente y acompañadas por la musica de Vangelis (Mythodea movement 9).


LAS MUJERES DE LEONARDO DA VINCI .
 
http://agaudi.files.wordpress.com/2007/11/img038.jpg    http://www.bienaldearte.com/wp-content/uploads/2008/05/leonardo-da-vinci-3.jpg
 
 
 
 
 




http://www.bisbymac.com/HOMBRE%20VITRUVIANO-2.jpg

 LA DIVINA PROPORCIÓN .

video
 




http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/b/bd/Leonardo_da_Vinci_029.jpg
LA VIRGEN DE LAS ROCAS . LEONARDO DA VINCI .
 
 

 

LA  GIOCONDA .



Mona Lisa Leonardo da Vinci Louvre

Archivo:Mona Lisa.jpeg

http://www.xtec.cat/~jjubany1/artigenere/artigenere/monalisa.jpg

 
 http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/a/ae/Mona_Lisa_detail_mouth.jpg


La sonrisa misteriosa .
 
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/1/1e/Leonardo_da_Vinci_044.jpg
 
Las Manos .
 
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2e/Mona_Lisa_detail_eyes.jpg
 
La Mirada

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/2/2e/Mona_Lisa_detail_eyes.jpg
 

Archivo:Mona Lisa detail mouth.jpg



http://www.elobelisco.net/CINE/JPG/davinci.jpg



La Expresión de la Cara. Mirada y Sonrisa.
 

 

LA GIOCONDA O MONA LISA

JOSÉ IGNACIO MARTÍNEZ MARTÍN .

LEONARDO DI SER PIERO DA VINCI
(1452-1519)
Oleo sobre tabla ( 77 x 53 cms)
Estilo: renacimiento italiano.
Escuela: Cinquecento.
Museo del Louvre - París

Nace en un pueblecito de la Toscana italiana , Vinci . Hijo ilegítimo de un notario y de su sirvienta. (Catarina Vacca). A los 14 años entra en el afamado taller del pintor florentino Andrea Verrochio, donde convive con Sandro Boticelli y Perugino. Aquí aprende gran parte de los secretos pictóricos para ejecutar un cuadro. Estudia matemáicas, geometría , perspectiva y todas las ciencias de la observación del medio natural, consideradas necesarias en la época. Se inicia también en arquitectura y escultura . Leonardo es un Humanista Renacentista, un genio polifacético y mul-tidisciplinario . Una mente prodigiosa , un luchador incansable en la búsqueda de la verdad , de los secretos de la vida y de sus misterios.
Sirvió a mecenas tan dispares e influyentes como Lorenzo de Médicis (El Magnífico), al Duque de Sforza, a los soberanos de Mantua y al Rey Francisco I de Francia.
Su producción artistica es bastante prolífica. La Virgen de las Rocas, La Batalla de Anghiari (por la que sostuvo una disputa con Miguel Angel), La Ultima Cena, obra innovadora , pero mal comprendida y acogida por los críticos de su tiempo... Pero Leonardo alcanza una celebérrima fama por la perfección inigualable de sus retratos y de algunas de sus creaciones religiosas, como Santa Ana o La Virgen y el Niño Jesús, que también se encuentra en el Museo del Louvre de Paris.

 

LA GIOCONDA . LA OBRA MAS FAMOSA DE TODA LA HISTORIA .

Está pintada entre 1503-1506, sobre una delgada tabla de madera de álamo , extraordinariamente frágil . Se conserva en el Museo del Louvre en una urna de cristal a prueba de balas (Hay quien afirma que soportaría el impacto de un misil). Leonardo preparó minuciosamente la tabla , con múltiples capas de enlucido. Dibujó el motivo del cuadro y después aplico el óleo, sabiamente diluido en aceite esencial. Ello le permitió aplicar innumerables capas de pintura en forma de veladuras , con finas pinceladas imperceptibles que magistralmente aplicadas hacen tan real a este cuadro. La técnica se ha dado en llamar "Sfumato" .Consiguiendo un difuminado de los contornos de la figura , jugando con luces y sombras que dotan al personaje de relieve y de misterio. La figura de la modelo adquiere una humana vitalidad, con una inefable expresión en el rostro, que parece observarnos y meditar. Las manos parecen dotadas de movimiento.
El paisaje se pierde en la lejanía, diluyéndose en la nada, como sucede en la observación de la realidad. Esta técnica permite una ejecución perfecta de las carnaduras, gracias al tratamiento refinado de la figura, que está sumida en un claroscuro ambiental.



Las hipótesis sobre la identidad de la modelo son tantas, como opiniones. Isabella D´Este, que reinaba en Mantua, una amante de Juliá¡n de Médicis, una amante del propio Leonardo, una mujer universal idealizada, un adolescente vestido de mujer. Hay hasta quien ha llegado a manifestar que pueda tratarse de un autorretrato del propio Leonardo. No hay ninguna prueba fidedigna de la real identidad de la dama representada por Leonardo en su Obra. Las vicisitudes del cuadro a lo largo de su histroria, son más propias de una novela policiaca que de una Obra de Arte. La Gioconda fue adquirida por Francisco I, posteriormente fue conservada en Versalles durante el reinado de Luis XIV. Desde la Restauración estuvo siempre en el Louvre, donde ha sido admirada y copiada por innumerables artistas. Fue robada en 1911 por un pintor italiano desequilibrado (VICENZO PERUGGIA), con el fin de devolverla a su pais de origen. Finalmente el cuadro fue recuperado tras pasar dos años debajo de la cama de Peruggia en una pensiónn de París. Ha sido recreada por todos los medios, incluso por artistas tan diversos como Salvador Dalí o Andy Wharjol... entre otros muchos.

 

Leonardo opinó en vida de su obra, dirigiéndose a alguien que la contemplaba :"No te das cuenta que es el bello rostro el que detiene a los paseantes y no los ricos adornos ".
Vesari, pintor italiano y biógrafo de Leonardo da Vinci, hace una magnífica descripcion de la representada : " Sus ojos límpidos tienen el resplandor de la vida, orlados de matices rojos y plomados, estaban bordeados de pestañas cuyo resultado supone la mayor delicadeza. Las cejas con su implantación a veces más espesa o más rala, según la disposición de los poros, no podían ser más verdaderas. La nariz, de encantadoras aletas rosadas y delicadas, eran la misma vida. En el hueco del cuello, el espectador atento percibía el latir de las venas " .

El genio muere en Cloux en 1519. Pero su legado permanece entre nosotros, admirado y querido como Patrimonio Artístico de la Huma-nidad. Leonardo afirmaba, cuando teorizaba sobre el arte : " El buen pintor debe representar esencialmente dos cosas: el personaje y su es-tado de ánimo" .Yo creo que lo consiguió .

"EL ARTE ES CIENCIA, PUNTO CULMINANTE DE LA OBSERVACION Y DEL ESTUDIO DE LA NATURALEZA. LA NATURALEZA SE NOS MUESTRA EN CONTINUA TRANSFORMACION COMO ALGO TRANSITORIO E INDEFINIBLE QUE ESCAPA A TODA ARGUMENTACION RACIONAL " .
( Leonardo da Vinci ) .

 

 

REFERENCIAS :

1.- Museo del Louvre. París (Francia). Visita virtual: http://www.smartweb.fr/louvre/globale.htm

2.- Genios de la pintura. Durero y Leonardo. Arte-6. Ediciones Dolmen.

3.- http://www.quecurioso.com.ar

4.- Los rostros de la Gioconda. Vincent Pormarede, Conservador del Departamento de Pinturas del Museo del Louvre. París.

5- Grandes museos. El Museo del Louvre I- II . Ediciones del Prado.




LA PINTURA DE KLEE .

Por IGNACIOAL - 9 de Junio, 2009, 11:06, Categoría: PINTURA .


La Pintura de Klee .
 
 
 
Imagen:Paul klee.png

Paul Klee.

Nacido y muerto en Suiza, Klee pensaba que el arte debe hacer sentir el misterio de las cosas

Paul Klee - Paintings 


 


http://beeartblog.files.wordpress.com/2009/02/paul-klee-pic-1.jpg


     

El arte no restituye lo visible; hace visible. Críptica, la cita emerge en cada ocasión en que el nombre de Paul Klee es convocado. Y es así porque resume la esencia espiritual y estética de uno de los mayores creadores del arte del siglo XX, seguramente el más personal y misterioso, pionero de la abstracción y sin embargo imposible de encapsular en ninguna escuela. A partir del miércoles, en el Museo de Bellas Artes los argentinos podrán juzgar esta certeza.Veamos al hombre y su circunstancia. Munchenbuchsee, cerca de Berna (Suiza), el lugar de su nacimiento, el 18 de diciembre de 1879. Un padre músico, de origen bávaro, descendiente a su vez de músicos, y una madre suizo-francesa, también música, oriunda del mediodía francés. El rigor germano y la sensualidad mediterránea, y a la vez la música y la pintura: en los albores del nuevo siglo, Paul Klee define su vocación viajando a Munich (Alemania) para estudiar pintura, pero nunca dejará de tocar el violín, su instrumento preferido. El sonido interior de las cosas impregnará desde entonces su obra, incluyendo sus escritos.Primero Italia, que recorre entre 1901 y 1902. Descubre admirado el arte paleocristiano, las basílicas de Siena, la caligrafía copta, el barroco. En Nápoles lo conmueve un recinto en penumbras donde inmensos cubos de vidrio encierran un mundo de colores en permanente movimiento: es el acuario del Instituto Oceanográfico.En 1906 se radica en Munich, uno de los grandes hervideros del arte europeo. Allí se casa y conoce a los pintores August Macke, Franz Marc y Vasilly Kandinsky, con quienes participa del grupo Blaue Reiter (Caballo Azul). En 1910, cuando Kandinsky publica De lo espiritual en el arte, exhibe 56 obras en Berna. En 1912 viaja a París, donde el contacto con Robert Delaunay lo incita a penetrar en el sentido orquestal de la pintura. En 1914, su amigo Louis Moilliet lo lleva a Túnez. Al igual que en Delacroix un siglo antes, este viaje dejará una huella definitiva en su vida. El color me ha poseído, escribe en su Diario.1914. La Primera Guerra. Realiza mordaces dibujos de soldados, policías y del mismísimo emperador Guillermo II. Pero la guerra devora a sus amigos: en 1914, a August Macke. Luego, a Franz Marc.En 1920 aparece el primero de sus diarios. Estos textos se integrarán como un todo a su obra pictórica. La intensidad espiritual que emana de ellos será tan significativa que nada de lo realizado en el arte de este siglo podrá eludir su impronta. Un año más tarde es requerido por Walter Gropius para integrar la escuela Bauhaus, fundada dos años antes. Su director alentaba la idea de reunir en una nueva arquitectura todas las disciplinas de las artes y los oficios. Este falansterio hermanó a sus miembros en la búsqueda de un nuevo sentido funcional y estético de la vida cotidiana. Gropius llamará a Klee el miembro más sabio de la Bauhaus, que no es poco decir.El nazismo abortó la empresa: sus integrantes se desbandaron. Klee, que desde 1930 era profesor en la Academia de Artes de Düssseldorf, vuelve a su Berna natal. En Alemania, los diarios nazis lo acusan de peligroso bolchevique. Una serie de 200 dibujos que daban una apocalíptica visión del nuevo régimen es confiscada. Se la considera hoy definitivamente perdida.En 1937 es visitado en Berna por Braque y Picasso, que hasta entonces lo conocían solo por su obra. Un extraño mal, la esclerodermia, lo estaba desintegrando lentamente, paralizando sus manos esqueléticas, que sin embargo lograron sostener el pincel hasta el fin y producir una obra ya definitivamente poblada de signos y símbolos. Mi mano es totalmente el instrumento de una esfera lejana, había escrito. Y también estas palabras, que sintetizan la gran revolución de la modernidad: Antes se representaban las cosas que podían verse, que se amaban o que se hubieran deseado ver. Hoy, la relatividad de lo visible es ya una evidencia y estamos de acuerdo en que no vemos más que un simple ejemplo particular dentro de la totalidad del Universo, habitado por infinitas verdades latentes.Murió el 29 de junio de 1940 en un sanatorio de Muralto, cerca de Locarno, Suiza. Sus cenizas se conservan en una urna que tiene, como epitafio, palabras de su Diario: En modo alguno soy comprensible en este mundo, pues vivo más bien entre los muertos y entre los seres que aún no han nacido. Algo más próximo al corazón de la Creación que lo habitual; pero aún no lo suficientemente cerca de ella.

ALBERTO GIUDIC




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