17 de Mayo, 2009

LA PINTURA RUPESTRE . EL LEGADO DEL HOMO SAPIENS .

Por IGNACIOAL - 17 de Mayo, 2009, 21:01, Categoría: PINTURA .



LA PINTURA RUPESTRE EL LEGADO DEL
HOMO SAPIENS .


http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_rupestre

Pinturas Rupestres. Legado del homo sapien
9:31
La pintura rupestre es un concepto referido a una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia, ya que, al menos existen testimonios datados hasta los 40.000 años ...

http://www.munimadrid.es/UnidadesDescentralizadas/Bibliotecas/EspecialesInformativos/BiblioMuni/CentInteres/Africa/Destacamos/Libia/PinturasRupestres.jpg

http://imagecache2.allposters.com/IMAGES/SHD/S1742.jpg

http://viajespain.es/wp-content/pinturas-rupestres.jpg


http://farm2.static.flickr.com/1229/1254247113_ee3f6d6974_b.jpg


http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/lascaux2.gif

http://static.panoramio.com/photos/original/1809975.jpg

EL RENACIMIENTO .

Por IGNACIOAL - 17 de Mayo, 2009, 20:59, Categoría: HISTORIA DEL ARTE .


El Renacimiento .
 
 

Arte - El Renacimiento. - El Renacimiento. Voz y Guión: Pablo Eduardo Ibáñez López.
Leonardo DaVinci junto con Botticelli, Brueghel, Coreggio, el Bosco, el Greco, Cervantes, Shakespeare, Milton, Copérnico, galileo, Maquiavelo, Miguel Ángel, Rafael, Rubens, Tiziano, Bellini, Flandes, Eyck, Celtes, Caravaggio, Bruneleschi, Alberti, Bramante, di Medici, Savonarola, Bacon y Gutenberg nos muestran El Renacimiento.
 
El Renacimiento es uno de los grandes momentos de la historia universal que marcó el paso de mundo Medieval al mundo Moderno. Es un fenómeno muy complejo que impregnó todos los ámbitos yendo por tanto, más allá de lo puramente artístico como ha querido verse.

Para muchos autores empieza en 1453 con la conquista turca de Constantinopla. Según otros es un nuevo periodo que surge desde el descubrimiento de la imprenta, e incluso se considera que no se produce hasta que Copérnico descubre el sistema heliocéntrico; pero la fecha tope es 1492, con el descubrimiento de América .

Renacimiento 
 
 
 
video  
 
 
video 
 
EL RENACIMIENTO . LA PERSPECTIVA
 
Renacimiento 
Renacimiento


ARTE MEDIEVAL Y RENACIMIENTO.

Arte Medieval y renacimiento

Arte Medieval y renacimiento 42:44

Arte Medieval y renacimiento


LA ESCUELA DE ATENAS .

Por IGNACIOAL - 17 de Mayo, 2009, 20:40, Categoría: PINTURA .


La Escuela de Atenas .
 
video 
La Escuela de Atenas

http://www.panoramio.com/photos/original/13261399.jpg

PLATÓN Y ARISTÓTELES .


Archivo:Raffaello Scuola di Atene numbered.svg

1: Zenón de Citio o Zenón de Elea – 2: Epicuro – 3: Federico II Gonzaga – 4: Boecio o Anaximandro o Empédocles – 5: Averroes – 6: Pitágoras – 7: Alcibíades o Alejandro Magno – 8: Antístenes o Jenofonte – 9: Hipatia (pintada como Margherita o el joven Francesco Maria della Rovere) – 10: Esquines o Jenofonte – 11: Parménides – 12: Sócrates – 13: Heráclito (pintado como Miguel Ángel) – 14: Platón sosteniendo el TimeoLeonardo da Vinci) – 15: Aristóteles sosteniendo la Ética – 16: Diógenes de Sinope – 17: Plotino? – 18: Euclides o Arquímedes junto a un grupo de estudiantes (pintado como Bramante) – 19: Estrabón o Zoroastro? – 20: Claudio Ptolomeo – R: Rafael como Apeles – 21: El Sodoma como Protógenes

http://es.wikipedia.org/wiki/La_escuela_de_Atenas
LA ESCUELA DE ATENAS . RAFAEL .

 
El papa Julio II eligió a Rafael para decorar la Stanza della Signatura del Vaticano, sala que servía como biblioteca y que era la utilizada por el pontífice para firmar los decretos del tribunal eclesiástico. En cada una de las cuatro paredes encontramos un fresco; la Escuela de Atenas ilustra la Filosofía; la Teología está representada por la Disputa del Sacramento; la Poesía se simboliza con el Parnaso; mientras que el Derecho se ilustra con dos escenas: Gregorio IX recibe las Decretales y Triboniano entrega las Pandectas.
En la famosa Escuela de Atenas, Rafael ha introducido la escena en un templo de inspiración romana, enlazando con la idea del templo de la Filosofía evocado por Marsilio Ficino. En las paredes del templo contemplamos las estatuas de Apolo, el dios de la Razón, y Minerva, la diosa de la Sabiduría, así como las bóvedas de casetones y los espacios abiertos que dominan el edificio, creando un singular efecto de perspectiva.
Dos grandes filósofos clásicos presiden el conjunto: Platón, levantando el dedo y sosteniendo el "Timeo", y Aristóteles, tendiendo su brazo hacia adelante con la palma de la mano vuelta hacia el suelo con su "Ética" sujeta en el otro brazo.
A la izquierda encontramos a Sócrates conversando con un grupo de jóvenes en el que se incluye a Alejandro Magno. En primer plano hallamos otro grupo presidido por el matemático Pitágoras; sobre el pedestal se halla el filósofo Epicuro, coronado de pámpanos.
Sentado en los peldaños de la escalinata se sitúa Heráclito, tomando la efigie de Miguel Angel por modelo, mientras que Diógenes se echa sobre las escaleras.
En el grupo de la derecha observamos a Euclides midiendo con un compás, junto a sus discípulos; a su lado se hallan Zoroastro, de frente, sosteniendo el globo celeste, y Ptolomeo con el globo terráqueo, de espaldas. Junto a ellos se aprecia la efigie del propio Rafael dirigiendo su mirada al espectador.
Los diferentes grupos de personajes se ubican de manera simétrica, dejando el espacio central vacío para contemplar mejor a los protagonistas, recortados ante un fondo celeste e iluminados por un potente foco de luz que resalta la monumentalidad de la construcción.

http://montesdetoledo.files.wordpress.com/2009/02/escuela-atenas.jpg

http://lh4.ggpht.com/_s4WzjzMQ010/SDUl8_ebriI/AAAAAAAAAdc/yfd7vL7yZYs/08_04_Roma0198.JPG



http://lh6.ggpht.com/_s4WzjzMQ010/SDUmJfebrmI/AAAAAAAAAd8/VmjYK3S4F4s/08_04_Roma0203.JPG




LA EVOLUCIÓN DEL DESNUDO EN LA PINTURA .

Por IGNACIOAL - 17 de Mayo, 2009, 20:38, Categoría: PINTURA .



El Desnudo en la Pintura.
DESDE LA ANTIGÜEDAD HASTA EL BARROCO Y DESE EL BARROCO AL SIGLO XX
 
 
 
 
 
 
El rasgo principal del Barroco, en lo que al arte del desnudo se refiere, consiste en la realización de obras sagradas impregnadas de la misma sensualidad que las profanas. El San Sebastián de Guido Reni, la Susana de Guercino, la Betsabé de Rembrandt o la Susana de Rubens son buenos ejemplos. Pero será en los asuntos mitológicos donde el desnudo adquiera su mayor esplendor. El Imperio de Flora de Poussin, la Alegoría de la Fecundidad de Jordaens, Venus y Adonis de Carracci o la Venus del espejo de Velázquez son excelentes muestras de la sensualidad barroca llevada al tema del desnudo. El Rococó nos traerá las raíces del desnudo moderno, añadiendo importantes dosis de erotismo a las obras, como observamos en las pinturas de Fragonard: La camisa quitada o La rosquilla. Boucher, el otro gran maestro de la pintura galante, continuará con sus representaciones de Venus pero ya empieza a tratar el tema de las odaliscas, habitual en la pintura decimonónica. En la pintura italiana del siglo XVIII se continúa con el barroquismo anterior, como observamos en el Castigo de Amor de Sebastiano Ricci. La reacción al decorativismo del Barroco vendrá de la mano del Neoclasicismo. Los pintores buscan sus fuentes en la Antigüedad y David será el primer maestro de referencia; sus desnudos continúan con la temática mitológica, como apreciamos en Psiqué y Cupido o Venus y Marte. Pero es Ingres el pintor que más tratará el tema del desnudo: la Bañista de Valpinçon, la Gran Odalisca o el Baño turco son algunos magníficos ejemplos. El Romanticismo no abandonará el desnudo como tema, aportando importantes dosis de exotismo y orientalismo, como observamos en las Mujeres turcas en el baño o la Mujer con un loro, lienzos ambos de Delacroix, sin renunciar a la intensidad dramática de los desnudos masculinos de Gericault. Pero será el Realismo el movimiento que nos muestre a las mujeres y los hombres tal y como son, de carne y hueso. Buena muestra de esto sería el curioso lienzo de Courbet titulado el Origen del mundo, las Bañistas o El sueño, trabajos del mismo autor. Esta tendencia a abandonar la idealización se continúa en el Impresionismo. El Desayuno en la hierba y la Olimpia de Manet; las Bañistas de Renoir o las jóvenes de Degas son algunos de los ejemplos de desnudos que nos presenta este movimiento. El desnudo también será un interesante tema para la vanguardia. Expresionistas como Kirchner o Rouault; simbolistas como Puvis de Chavannes o Gustave Moreau; fauvistas como Matisse; cubistas como Picasso o Braque; miembros de la Nueva Objetividad alemana como Christian Schad; artistas pop como Hockney; pintores naïf como Foujita o el Aduanero Rousseau; surrealistas como Paul Delvaux, Salvador Dalí, Marc Chagall o Rene Magritte. Todos se interesarán tarde o temprano por el desnudo. Pero si tenemos que elegir un pintor del siglo XX que cultive especialmente esta temática, hemos de elegir a Amedeo Modigliani, cuyos magníficos desnudos no dejan de estar cargados de inquietud, de tensión interior y desasosiego
 

LA SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO .

Por IGNACIOAL - 17 de Mayo, 2009, 20:34, Categoría: PINTURA .



La Sagrada Familia del Pajarito

M U R I L L O .
 
La Sagrada Familia del Pajarito
Una de las obras realizadas por Murillo, en el estilo naturalista que habían puesto de moda Zurbarán o Velázquez en Sevilla, es la Sagrada Familia del Pajarito, que recibe ese nombre por el pajarillo que el Niño Jesús muestra al perro. La total ausencia de elementos divinos o celestiales hace que nos situemos ante una escena familiar, como si el pintor abriera las puertas de su propio hogar para mostrarnos el juego del pequeño acompañado por su padre, mientras la madre ha parado en sus labores de hilado para comer una manzana. Son figuras elegantes pero no dejan de poseer cierto realismo; el protagonista es el Niño Jesús, iluminado por un potente foco de luz procedente de la izquierda que provoca contrastes, dejando el fondo en total penumbra sobre el que se recortan las figuras, aunque junto a San José se vislumbra el banco de carpintero. No obstante, la iluminación es matizada y supera el estricto tenebrismo. El excelente dibujo del que siempre hará gala Murillo se aprecia claramente en sus primeras obras, donde los detalles son también protagonistas: el cesto de labor de la Virgen, los pliegues de los paños, los miembros de las figuras, el gesto del perrito. En relación con el dibujo, hay que advertir que Murillo fundaría una Academia de Pintura junto a Francisco de Herrera "el Mozo" en 1660. El colorido empleado es el que caracteriza esa primera etapa del artista siguiendo el estilo de los naturalistas. Colocar a San José como protagonista de la escena junto al Niño Jesús viene motivado por las discusiones teológicas sobre la función del santo en la vida de Cristo. Si, en un principio, se pensó que no había tenido nada que ver en la educación de Jesús (de hecho, en el tríptico de la Adoración de los Magos de El Bosco aparece en la tabla lateral) a medida que pasa el tiempo se considera que la labor de San José es cada vez más importante y, por ello, aquí le vemos como el padre ideal, con un rostro inteligente y paciente, que incluso relega a la figura de María a un segundo plano. Pueden apreciarse ciertos ecos de la pintura de Rafael en esta Sagrada Familia.
 

Ubicación: Museo del Prado
Estilo artístico: Barroco naturalista
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 144 x 188 cm.

Más información: Obra, Artista

Sagrada Familia del pajarito
Bartolomé Esteban Murillo. 1650


ARTE BARROCO .

Por IGNACIOAL - 17 de Mayo, 2009, 20:32, Categoría: HISTORIA DEL ARTE .



EL BARROCO .
 
v�deo
 
 
v�deo
La Música en el Barroco .
 
v�deo
El Barroco en España .
 
El Barroco Protestante .
 
v�deo
La escultura Barroca .
 
La escultura barroca está caracterizada por la búsqueda del movimiento, el contraste entre las diversas superficies a la hora de buscar efectos lumínicos y la integración en la arquitectura para obtener intensidad dramática. Abundará la escultura religiosa al servicio de la devoción, pero también encontramos estatuas mitológicas, retratos y escultura funeraria. Bernini es el gran genio de este estilo y su Extasis de Santa Teresa su obra maestra, mostrándonos de manera exquisita la visión de la santa. La Beata Ludovica Albertoni y la Fuente de los Cuatro Ríos son otras de sus magníficas obras. En la corte francesa encontramos una escultura adaptada a los dictados de la Academia, siguiendo las reglas clásicas e interpretándose de manera clara. Coysevaux y Girardon son los maestros más destacados. La escultura española en el Barroco está centrada en lo religioso, buscando el dramatismo y el realismo en las estatuas. La madera es el material más utilizado, empleando policromía e incluso postizos como cabello natural u ojos de cristal. En el foco castellano destaca la figura de Gregorio Fernández, autor que evoluciona desde el idealismo y la elegancia del manierismo hasta formas naturalistas y dolientes. En la escuela sevillana encontramos a Juan Martínez Montañés, artista que valora la anatomía y logra captar la belleza natural, cargada de serenidad, tensión y fuerza interior. Alonso Cano es el gran escultor de la escuela granadina y sus figuras se caracterizan por la gracia y el exquisito cuidado de la talla. Pedro de Mena también es granadino y realiza esculturas que rozan el misticismo, siendo uno de los maestros más hábiles en el trabajo de la madera. La escultura barroca española se culmina con Francisco Salzillo, quien pone en práctica una escultura cargada de dinamismo y sentimiento, destacando sus sencillas figuras para belén .
 


DEL BARROCO Y ROCOCÓ AL NEOCLÁSICO.


Arte barroco y del rococo al neoclasico

Arte barroco y del rococo al neoclasico 42:53

Arte barroco y del rococo al neoclasico

PICASSO Y SU PARTICULAR VISIÓN DE LA GUERRA .

Por IGNACIOAL - 17 de Mayo, 2009, 20:25, Categoría: PINTURA .


PICASSO. Su visión del horror de la Guerra

GUERNICA . 1937 . PABLO RUÍZ PICASSO .

" No , la pintura no está hecha para decorar las habitaciones . Es un instrumento de guerra defensivo y ofensivo , contra el enemigo " .

" El arte es una mentina que nos acerca a la verdad " .

( PABLO PICASSO ) .

El Guernica supone una visión universal de la Guerra , su horror y su sufrimiento , desde los hechos sucedidos en la Guerra Civil Española , punto de partida . Generada por el genio creativo de Pablo Picasso .

Expresa de alguna manera la tragedia de este mundo  egoista , cruel y hostil .

Relata la muerte , la perdida de los seres más queridos , el dolor y el sufrimiento de los heridos , pero también la supervivencia del arte por encima de la barbarie .

La austeridad cromática del lienzo ,  supone una proyección del estado de ánimo que causó a Picasso la noticia , recibida a través de la prensa francesa , del bombardeo de Guernica .

Significados del Guernica de Picasso .
De la interpretación histórico-política a la iconológica . ( JOSÉ EUGENIO BORAO ) .

v�deo  

Picasso: El Guernica

El bombardeo de la población de Guernica el 26 de abril de 1937 por parte de la aviación alemana despertará la conciencia política de Picasso. Guernica será el tema de su obra maestra, realizada para el Pabellón de España en la Exposición Internacional de París de 1937. El lienzo mide 8 metros de largo por 4 de ancho y en la parte superior cuelga una bombilla eléctrica que arroja una fría luz aserrada. Como si esta luz eléctrica no fuera suficiente, una mujer porta en su largo brazo un candil de petróleo, iluminando así hasta el último escondrijo del cuadro. En el lienzo aparecen otras tres mujeres: bajo el toro, posible símbolo de la República, una que porta un niño muerto; en el extremo derecho, otra que levanta los brazos ante el fuego de su hogar; en primer plano, una tercera mujer arrodillada, presumiblemente embarazada, con los pechos desnudos y unos llamativos pezones en forma de chupete. Bajo la luz eléctrica se encuentra el caballo malherido que relincha y a sus pies se hallan los restos descuartizados de un hombre-estatua, en cuya espada rota renace una flor como símbolo de esperanza. Un pedazo de suelo con baldosas alude al recinto del pabellón español donde se ubicaba el cuadro.

El Guernica es un manifiesto contra la guerra y cualquier tipo de brutalidad humana. Por eso estamos ante un cuadro universal que contrapone la capacidad de creación del artista y la capacidad de destrucción de la guerra.

 



ARTE ROMÁNICO .

Por IGNACIOAL - 17 de Mayo, 2009, 20:21, Categoría: HISTORIA DEL ARTE .



Arte Románico .

El Arte románico fue un estilo predominante en Europa en los siglos XI, XII y parte del XIII. El románico supone el arte cristiano, agrupando las diferentes opciones que se habían utilizado en la temprana Edad Media (romana, prerrománica, bizantina, germánica y árabe) y consiguiendo formular un lenguaje específico y coherente aplicado a todas las manifestaciones artísticas. No fue producto de una sola nacionalidad o región, sino que surgió de manera paulatina y casi simultánea en Italia, Francia, Alemania y España. En cada uno de estos países surgió con características propias, aunque con suficiente unidad como para ser considerado el primer estilo internacional, con un ámbito europeo.


 


 
video 

 
video 

 

Viaje al Romanico 



 

 

Novedades de la arquitectura rom�nica 



 

El aumento de la seguridad en las tierras occidentales desde el siglo XI traerá consigo la generalización de las peregrinaciones y el desarrollo de un tipo de iglesia característica del mundo románico: la iglesia de peregrinación. Nos encontramos ante una planta en forma de cruz latina, con tres o cinco naves, siendo la central más alta y ancha que las laterales. Sobre estas se ubican las galerías para que descansen los peregrinos. El crucero presenta habitualmente un cimborrio o una cúpula. Alrededor de las naves laterales nos encontramos con pequeñas capillas. Para que los peregrinos circulen sin obstáculos por el interior del templo y admiren las reliquias que se guardan en el altar mayor, la nave lateral rodea a este altar formando la girola o deambulatorio. El arco preferido por los arquitectos románicos es el de medio punto. El desarrollo en profundidad de este arco genera la bóveda de cañón que se refuerza mediante arcos fajones. En las naves laterales se emplea la bóveda de arista, formada por el cruce de dos bóvedas de cañón en ángulo recto. El ábside se suele cubrir con una bóveda de cuarto de esfera. Los arcos se sostienen con pilares cruciformes o pilares con columnas adosadas. Al exterior y debido al considerable peso de las bóvedas, los muros son de gran espesor y apenas existen vanos. Estos muros recogen las cargas laterales de la bóveda y los dirigen hacia los contrafuertes. La disposición de las tres o cinco naves también se manifiesta en el exterior en las portadas monumentales que dan acceso al templo. También es apreciable el brazo del transepto que cruza las naves de manera perpendicular. El campanario y las torres completan el edificio

 

 
video 
 
video 
 

Las primeras manifestaciones del románico en la Península Ibérica se produjeron en aquellos estados donde los cluniacenses estaban sustituyendo las viejas reglas monásticas e implantando la liturgia romana en detrimento del ritual hispano-godo. Cataluña, Aragón y Navarra verán en primer lugar cómo los edificios románicos se extienden por sus tierras. El vehículo que servirá para expandir el arte románico al resto del territorio peninsular será, sin duda, el Camino de Santiago, la vía que une los reinos hispanos entre sí y éstos con Europa. El auge del románico está ligado a la Ruta Jacobea y su momento de máximo esplendor, entre los siglos XI y XII. Los peregrinos llevarán las nuevas ideas estéticas a estas tierras, donde se encuentran los centros neurálgicos del poder. De esta manera, se produce un esplendor constructivo sin precedentes hasta el momento. Es el auge del Románico, que se extiende, sin prisa pero sin pausa, por las tierras del reino de Castilla, un reino que vive de lleno en la Reconquista y que quiere afianzarse en las zonas donde el poder musulmán ya nunca volverá a implantarse. Por impulso real, algunos monjes y obispos inician una absoluta renovación de las viejas reglas monásticas y de la liturgia hispanas, contribuyendo decisivamente en esta labor los monjes cluniacenses. Catedrales como las de Santiago, León y Burgos, o monasterios como Silos, Oña o Arlanza, son gobernados por los reformadores. Éstos no sólo se limitan a la sustitución de las viejas normas de la Iglesia hispana, sino que también construyen edificios que se adapten a las mismas formas que se están utilizando en las tierras de origen de los monjes reformadores. El desarrollo del románico en tierras del reino castellano-leonés tiene en la capital, León, uno de los centros principales de creación, la iglesia de San Isidoro. La iglesia adopta la forma de tres naves y un acusado transepto de una nave, al que se abren tres ábsides semicirculares. Mención especial merecen las dos puertas monumentales, la del Cordero y la del Perdón. A los pies de la iglesia se construyó un recinto destinado a Panteón Real. El conjunto funerario se decora con las escenas que, pintadas al fresco, cubren la parte alta de los muros y de las bóvedas. En esas pinturas se observan pasajes ilustrativos del Apocalipsis y del Nuevo Testamento, así como representaciones de santos y personajes bíblicos. El conjunto destaca por ser una de las joyas pictóricas del románico...

 
video 
 
En el siglo XI, la reina doña Mayor fundó en Frómista el monasterio de San Martín de Tours. De esta institución, hoy sólo podemos contemplar la iglesia, una de las mejores muestras del arte románico en el Camino de Santiago. La iglesia destaca por su pureza de formas y sencillez. Dos torres cilíndricas enmarcan la portada principal. Tres ábsides semicirculares rematan la planta del templo. El interior resulta impactante, destacando por su sereno equilibrio. Tres naves cubiertas con bóveda de cañón dirigen la mirada del espectador hacia el altar. El crucero está coronado por un espectacular cimborrio octogonal.
 
video 
 

El arquitecto románico concentrará toda la decoración del templo en las portadas, los capiteles del interior y del exterior, y en las cornisas o aleros. La puerta es concebida como una serie de arcos decrecientes y progresivamente rehundidos que se denominan arquivoltas, dotando a la puerta de aspecto abocinado. El arco de la puerta se decora con un tímpano y si la puerta es ancha, es reforzada por un dintel y una columna central denominada parteluz. El escultor no duda en adosar figuras a las jambas y a los capiteles e incluso a las arquivoltas. Una de las portadas más características del Románico es la de la antigua iglesia abacial de Saint-Pierre en Moissac. En el tímpano se representa la visión del "Apocalipsis" de San Juan; el centro está ocupado por Jesucristo en majestad, rodeado de los cuatro símbolos de los Evangelistas -el águila de san Juan, el león de san Marcos, el toro de san Lucas y el ángel de san Mateo- flanqueados por dos ángeles que sostienen pergaminos de papel, aludiendo al Juicio Final. Los veinticuatro ancianos ocupan el resto del espacio, los de la franja inferior bajo el mar de cristal. El dintel está decorado por ruedas de fuego que simbolizan el fuego infernal del Apocalipsis. Las dos jambas en las que reposa el conjunto tienen un perfil dentado formando olas, apareciendo las estatuas en relieve de San Pedro e Isaías. En el parteluz observamos tres parejas de leones rampantes, dispuestos transversalmente, que sujetan el dintel. Algunos expertos los relacionan con Cristo pero también podrían aludir al mal .

 
video 
 

Fundada en el año 1090 por expreso deseo del rey Sancho Ramírez, con el fin de ayudar y dar cobijo a los peregrinos francos que seguían la Ruta Jacobea, Estella es considerada la capital del Románico navarro. La de San Pedro de la Rua es la iglesia más antigua de la villa. Erigida en el siglo XII, se trata de un templo de tres naves con un espectacular claustro adosado. El Palacio Real es una de las mejores muestras del románico civil en España. Construido en los últimos años del siglo XII, en el extremo izquierdo de su fachada se encuentra este capitel, que narra la lucha de dos personajes míticos en la Edad Media: Roldán y Ferragut. La iglesia de San Miguel se ubica en uno de los nuevos barrios. Su puerta norte es una de las obras más interesantes de la escultura románica de Navarra. El templo dedicado al Santo Sepulcro fue iniciado en los últimos años del siglo XIII, en un estilo románico tardío. Destaca la fachada del muro del Evangelio, una de las obras maestras del gótico navarro. El primitivo puente de la Cárcel fue construido en época medieval, pero fue destruido en 1873 durante las Guerras Carlistas. En el año 1176, los monjes cistercienses se instalan en Iranzu. Pronto el monasterio se convirtió en uno de los más importantes de Navarra. Una vez abandonada Estella, el viajero deja a sus espaldas una de las ciudades más bellas de la geografía Jacobea .

 

 
 

En el centro de la villa palentina de Carrión de los Condes se levanta la iglesia de Santiago. Construida en el siglo XII, de esta época sólo se mantiene en pie su espléndida fachada, magnífico ejemplo de la influencia greco-romana en el arte románico. Consta de una portada con arco de medio punto y arquivolta figurada, que se apoya en dos columnas, rematado el conjunto por un magnífico friso que representa a Cristo y los Apóstoles. Cristo en majestad viste túnica y manto de ricas guarniciones; en su mano izquierda porta el libro, mientras que con la derecha, desaparecida, debía bendecir. El pantocrátor se rodea del Tetramorfos, los emblemas de los cuatro Evangelistas según la visión del profeta Ezequiel: el ángel de Mateo, el león de Marcos, el águila de Juan y el toro de Lucas. A ambos lados de esta escena se extienden los doce apóstoles en dos grupos, cada uno bajo un dosel trilobulado. La mayoría de ellos han perdido la cabeza, pero podemos observar su deformidad en las proporciones, lo que nos indica la presencia de dos maestros en su ejecución. En la arquivolta encontramos veintidós figuras que representan los oficios medievales. Se puede apreciar dos luchadores enfrentados, un zapatero curtiendo las pieles, un juez que porta una vara en la mano izquierda, un lector con el libro sobre sus piernas, un soplador de herrería con su característico fuelle y un personaje no identificado que levanta su mano derecha sobre el hombro contrario, por citar algunos ejemplos. El conjunto se remata con un león en cada extremo.

 

video 
Recorrido por las obras cumbres del Románico Aragonés. ...
 
 
La catedral de Santiago de Compostela 
Obra cumbre del Románico en España .
 
video 
 

De la iglesia de San Clemente de Taüll, en el valle ilerdense del Boí, procede una de las decoraciones románicas más espectaculares. En la bóveda se han conservado dos fragmentos: el Cordero Místico con siete ojos y la Dextéra Dómini, dentro de sendos clípeos. En el muro norte, la figura del pobre Lázaro. La media cúpula del ábside central está presidida por el Pantocrator, rodeado de cuatro ángeles que portan los símbolos de los Evangelistas, acompañados por un serafín y un querubín. Por debajo de este nivel, y flanqueando una ventana que se abre en el centro, se emplazan una serie de personajes bajo arquerías. Gracias a las inscripciones, hemos podido identificarlos: se trata de lo apóstoles Tomás, Bartolomé, Juan y Santiago, con la Virgen María entre ellos. La última figura se ha perdido. Surgiendo de un fondo azul, Cristo sujeta con la mano izquierda el libro de las Escrituras, en el que se puede leer "Ego sum lux mundi", y con la mano derecha hace la señal de bendición. El rostro de Jesús presenta unos rasgos tan estilizados como hieráticos, dividiendo la nariz su faz en dos partes simétricas; sus ojos negros se remarcan tanto por los párpados como por las cejas, mientras que los curvos bigotes enmarcan los labios, dirigiéndose hacia las ondulaciones de la barba que repiten las formas del cabello. El Pantocrátor está inscrito en la mandorla mística y aparecen la primera y última letra del alfabeto griego (alfa y omega) como símbolo del principio y el fin de todas las cosas .

 
video 
" la Capilla Sixtina del Románico " .
 

Para albergar los restos de San Isidoro, procedentes de Sevilla, el rey Fernando I y su esposa, Doña Sancha, emprenden la construcción de esta joya del románico castellano. El conjunto comprende una iglesia, los restos del antiguo palacio de los reyes leoneses y el panteón real, donde los monarcas están enterrados. Pero la auténtica joya se encuentra en el interior. Las bóvedas del panteón real fueron decoradas con espectaculares pinturas al fresco. Éstas representan pasajes del Apocalipsis y del Nuevo Testamento, plasmadas con un vivo colorido. La belleza de las pinturas es tal que ha hecho a muchos afirmar que nos encontramos ante la "Capilla Sixtina" del Románico.

 

http://homepage.mac.com/xp13/20070530p.jpg
 


http://www.enfocado.com/fotos/colegiata_toro_07_g.jpg
 
COLEGIATA DE TORO . ZAMORA .

http://farm1.static.flickr.com/26/50193740_0d52f12a9e.jpg
PORTADA DE LA COLEGIATA DE TORO .
 

http://www.fotomusica.net/romanicoasturiano/romanicoAsturiano.html

 


 

 



ARTE GÓTICO .

Por IGNACIOAL - 17 de Mayo, 2009, 20:17, Categoría: HISTORIA DEL ARTE .



Arte Gótico .

El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia, y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo). Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la catedral de Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra, Castilla y Aragón.

 
 
 
 
video 
 
video 
 
video 
 
video 
 
video 
 
video 
 

Imagen:Burgos Cathedral 2005-05-30.jpg

Catedral de Burgos .

Imagen:Toledo Virgen Coro.jpg

Virgen . Coro de la Catedral de Toledo .

Imagen:Giotto - Scrovegni - -31- - Kiss of Judas.jpg

El beso de Judas . Giotto .

Historia del Arte . ARTE GÓTICO

Historia del arte - Arte G�tico 1 de 6       Historia del arte - Arte Gotico 2 de 6        Historia del arte - Arte Gotico (3 de 6)
1                            2                              3                                        
Historia del arte - Arte Gotico (4 de 6)         Historia del arte - Arte G�tico 5 de 6           Historia del arte - Arte G�tico 6 de 6
4                            5                              6                       


La evolución del Arte Románico nos ofrece el Gótico. Su nombre se debe al pintor manierista Giorgio Vasari que alude a este estilo como "gótico" al considerarlo de origen germánico y propio de godos, acentuando el aspecto despectivo de este arte anterior al Renacimiento. Cronológicamente el Gótico comprende desde los últimos años del siglo XII hasta entrado el siglo XVI. Su núcleo originario estaría en la Isla de Francia con Saint Denis de París y la catedral de Sens, hacia 1125.
A pesar de ser una continuación del Románico, en el Gótico se aprecian actitudes diferentes e incluso opuestas. Si el Románico es recogimiento, oscuridad, predominio de masas sobre vanos, el Gótico implica todo lo contrario, luz, color, elevación, expresividad, naturalismo. El
abad Suger, promotor de la construcción de Saint Denis, recoge en sus pensamientos estas ideas que reflejan a la perfección el cambio sustancial que conlleva este estilo artístico, cambio que también se produce en la sociedad y en la economía.
El monumento donde el Gótico alcanza su máxima expresión es la catedral, lugar donde sienta cátedra el obispo. Es una edificio urbano y con esa concepción se levanta. Los cambios constructivos más importantes se manifiestan en la bóveda de crucería y el arbotante. La bóveda de crucería -derivada de la de arista- logra localizar sus empujes sobre cuatro puntos de arranque lo que permite cubrir todo tipo de espacios. El arbotante es una especie de puente que transmite las presiones desde el arranque de las bóvedas altas hasta los ligeros contrafuertes del exterior, permitiendo abrir mayores vanos en la fábrica del edificio. El arco apuntado, gracias a su verticalidad, permite elevar la altura del edificio. Con estos tres elementos los arquitectos góticos revolucionan la construcción.
La planta del templo gótico experimenta cambios especialmente en la zona de la cabecera ya que las capillas, los ábsides y las girolas dejan de ser semicirculares para hacerse poligonales. La tribuna románica se convierte en el triforio, simple galería a través de los pilares. La bóveda de crucería motivará la utilización de gruesos pilares con columnas adosadas o simples molduras que recuerdan a las columnas. Otra importante diferencia se manifiesta en la decoración al ser el gótico más austero como respuesta a la reacción que implica la orden del Cister. Por lo demás se trata de una planta de cruz latina con un número impar de naves -generalmente tres pero es posible también que tengan cinco- con la nave mayor más elevada y las laterales en altura decreciente. Las puertas de acceso al templo suelen colocarse en los brazos y pies de la cruz, continuando con el abocinamiento románico solo que ahora los arcos son apuntados. Los tímpanos continúan siendo decorados aunque ahora se distribuyen las figuras en zonas horizontales mientras las figuras de las arquivoltas se disponen en el sentido de la curva. La forma apuntada de la portada suele completarse con el gablete o moldura angular que la corona. Sobre la portada encontramos el rosetón que aporta iluminación y cromatismo al interior del templo. Al existir mayor espacio libre de piedra, las ventanas adquieren gran importancia y en el interior de los vanos se aprecian tracerías caladas que se rellenan con vidrieras policromadas. Pero quizá lo que resulte más destacable es la altura alcanzada por los arquitectos en sus construcciones.
El Gótico, como todos los estilos artísticos, ofrece variantes regionales. Como ejemplos podemos hablar de la escuela francesa donde destacan las catedrales de Notre-Dame de París, Sens, Chartes, Laon, Reims y Amiens o la Saint-Chapelle levantada por
san Luis ; la española con las catedrales de León, Burgos, Toledo, Gerona, Barcelona o Sevilla; la portuguesa con los monasterios de Belem y Batalha o la iglesia de la Orden de Cristo en Thomar; la alemana con las catedrales de Colonia, Estrasburgo o Ulm; la inglesa con las catedrales de Gloucester, Salisbury o Lincoln; o la escuela italiana, más particular e incluso reaccionando en ocasiones contra el Gótico tradicional como en la catedral de Santa María de las Flores de Florencia, mientras que la catedral de Milán es la más cercana al Gótico Europeo.
Debemos hacer una mención especial a los edificios civiles que se desarrollan en el periodo gótico siendo buenos ejemplos los ayuntamientos de Bruselas y Lovaina, la Lonja de los Paños de Ypres o las de Palma y Barcelona, el palacio de la Signoria de Florencia o el de los Dux de Venecia, o el castillo de Bellver en Mallorca.
La escultura gótica está definida por el interés hacia la naturaleza manifestado por los artistas. Conserva el carácter monumental y grandioso de herencia románica pero las figuras están dotadas de mayor expresividad, abandonando la deshumanización. Ahora reflejan sentimientos y la Virgen y el Niño dialogan mientras que el Crucificado se retuerce de dolor. Este afán expresivo llevará al artista gótico a interesarse por la anécdota y lo secundario, tratando en ocasiones lo satírico incluso lo obsceno.
Podemos hablar de varias etapas en el desarrollo escultórico del Gótico, siendo la primera de composiciones grandiosas y claras, con escasos pliegues angulosos en los ropajes. A mediados del siglo XIV las figuras se hacen más alargadas y aumentan las curvas, especialmente en los ropajes. Ya en el siglo XV encontramos cierta reacción hacia la curva y la figura humana se hace más naturalista, convirtiéndose los rostros en auténticos retratos. En el relieve se introduce el paisaje hacia el siglo XV.
Las escenas y figuras continúan decorando portadas y capiteles pero ahora se incorporan los retablos, sillerías de coro y sepulcros, siendo en estos lugares donde la escultura gótica alcanzará su punto culminante.
Debido al escaso desarrollo del muro, la pintura gótica tiene su primera ubicación en las vidrieras y en las miniaturas de los códices. Este primer estilo se denomina Lineal ya que manifiesta una especial atracción hacia las líneas que definen los contornos. El Gótico Lineal abarca todo el siglo XIII y los comienzos del XIV momento en el que se desarrolla un nuevo estilo llamado Gótico Italiano donde las escuelas de Siena - con Duccio, Simone Martini y los Lorenzetti- y Florencia -donde destaca la figura de
Giotto, verdadero precursor del Renacimiento- alcanzan cotas sublimes. Gracias al desarrollo económico y la proliferación de gremios que compiten en la decoración de sus capillas se produce un importante auge de la pintura. A finales del siglo XIV se desarrolla el Estilo Internacional donde las influencias italianas se funden con las francesas y flamencas, obteniendo más que interesantes resultados. Durante el siglo XV dos regiones incorporarán fundamentales aportaciones a la pintura, abandonando el estilo gótico y acercándose al Renacimiento: Italia donde se desarrolla el Quattrocento y Flandes donde la pintura flamenca aporta grandes dosis de realismo y detallismo.

FUENTE : Artehistoria . " EL ARTE GÓTICO "


EL ARTE Y SU HISTORIA: ARTE GÓTICO

 
EL ARTE Y SU HISTORIA: Gotico 1/4    EL ARTE Y SU HISTORIA: Gotico 2/4   EL ARTE Y SU HISTORIA: Gotico 3/4   EL ARTE Y SU HISTORIA: Gotico 4/4 

1                              2                            3                             4


ARQUITECTURA GÓTICA


Arquitectura Gotica   Novedades arquitect�nicas del g�tico    Historia del arte religioso cristiano - G�tico




DANZA . SALVADOR BACARISSE .

Por IGNACIOAL - 17 de Mayo, 2009, 20:08, Categoría: D A N Z A .



DANZA .
SALVADOR BACARISSE
bacarisse  

http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Bacarisse


http://img220.imageshack.us/img220/4923/thepumpkinkingbyradojavvd8.jpg

Artículos anteriores en 17 de Mayo, 2009

El Blog

Calendario

<<   Mayo 2009  >>
LMMiJVSD
        1 2 3
4 5 6 7 8 9 10
11 12 13 14 15 16 17
18 19 20 21 22 23 24
25 26 27 28 29 30 31

Sindicación

Enlaces

Alojado en
ZoomBlog